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El diseño de la ropa para personajes en películas de cine

Brightburn

Retales_Brightburn-1[Este artículo contiene spoilers]

Un crujido en el silencio de la noche, sombras en la oscuridad, objetos cobrando vida,… El cine de terror se constituye de ciertos elementos comunes en la trama, ambientación o personajes para lograr atemorizar al espectador.

Los personajes de este género también suelen ser arquetipos con rasgos y estilos similares: asesinos en serie, niños malvados o muñecos terroríficos. Quizá el distintivo de estos sujetos sea su vestuario, convertiéndose en ocasiones en atuendos icónicos tras su éxito en la gran pantalla, como el caso de Freddy Krueger (Pesadilla en el Elm Street), Michael Myers (Halloween) o Jason Voorhees (Viernes 13).

En este blog he publicado varias entradas acerca del vestuario de películas de miedo como The Conjuring o Verónica y he colaborado con la revista Moon Magazine dedicando artículos a las célebres El Resplandor o Drácula de Bram Stoker. Todas estas cintas mantienen un denominador común: el uso del color como recurso para reforzar la narración de la trama y avivar el horror.

Brightburn (El hijo. 2019) ha querido sorprender a los aficionados del cine de terror incorporando la figura de un superhéroe en un entorno siniestro. El título da nombre a una pequeña ciudad de Kansas, donde reside un matrimonio con su hijo Brandon. La vida de la familia transcurre con normalidad hasta que el joven cumple doce años, cuando comienza a mostrar una conducta preocupante.

Para el director, David Yarovesky, el aspecto visual de Brightburn era primordial, y el disfraz del protagonista, el núcleo a partir del cual trabajaría el equipo técnico de la película. Aunque el concepto inicial de Brandon fue ideado por los hermanos Gunn, la diseñadora Autumn Steed estuvo detrás del espeluznante disfraz del villano. Steed estableció también un esquema recurrente de tonalidades en el vestuario— azul, amarillo y rojo — para describir la historia.

El cartel oficial de Brightburn advierte la figura de Brandon como un antihéroe. Una capa roja lo asemeja al mítico personaje de cómics, Superman, y en imágenes que se suceden a lo largo de la cinta, evoluciona a un híbrido de Michael Myers en Halloween y Spiderman. El director partió de la idea de crear una figura de terror icónico como Freddy Krueger o Leatherface— villanos de Pesadilla en Elm Street y The Texas Chainsaw Massacre, respectivamente — e inquietante para el espectador.

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El protagonista de “Brightburn“, Brandon (izda.), es un personaje terrorífico con rasgos similares a otras figuras míticas como Michael Myers (centro) o el superhéroe Spiderman (dcha.)

Tori y Kyle Breyer disfrutan de una vida en apariencia feliz en una granja situada a las afueras de la pequeña ciudad de Brightburn (Kansas); sin embargo, esa dicha no sería completa a no ser que pudieran concebir un hijo. Una noche, su plan de ser padres se ve interrumpido por un objeto que cae bruscamente en el bosque. Posteriormente, unas imágenes rodadas con vídeo doméstico advierten las diferentes etapas de vida del nuevo hijo del matrimonio.

En las imágenes iniciales, se aprecia un vestuario predominantemente azul —tonos oscuros para Kyle y celestes para Tori —y lo que puede pasar inadvertido, como el patrón de líneas rojas del camisón, se presenta como una señal de conexión con las escenas venideras. El colofón para estas secuencias preliminares es un vibrante color rojo en el atuendo del retoño de los Breyer, presagio de una amenaza para la familia.

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El estampado de líneas de Tori la relaciona con su futuro hijo, cuya seña de identidad será un patrón de rayas a lo largo del filme.

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Las últimas imágenes de la cámara doméstica muestran al hijo de los Breyer con una camiseta de color rojo, un tono utilizado como vaticinio de peligro.

Tras este preámbulo, la historia se sitúa en la misma granja diez años después. La atmósfera clásica americana, explotada en multitud de películas, es rota por la estética grunge de Tori. A través de este personaje, la diseñadora Autumn Steed aporta un soplo de aire fresco al entorno agrícola, combinando prendas en tejidos de punto o vaquero con otras punk, como camisetas o cazadoras de cuero.

Brandon, el hijo de los Breyer, se oculta en el granero jugando al escondite. Cuando Tori lo encuentra descubrimos que se trata de un lugar prohibido por sus padres. Aunque no se especifica el motivo, la bata con estampado de naves espaciales que viste el chico aporta una pequeña pista al espectador. El vínculo maternal es reforzado a través de los tonos celestes coincidentes en la ropa de madre e hijo.

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La diseñadora ideó una estética actual para el personaje de Tori Breyer (Elizabeth Banks).

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La bata acolchada con estampado de cohetes como indicio del origen de Brandon.

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Los tonos celestes en los personajes intensifican el vínculo entre madre e hijo.

A continuación conocemos que Brandon fue adoptado por los Breyer. El niño se ha convertido en un adolescente inteligente y peculiar. Esta singularidad también es perceptible en su ropa, con motivos líneales en los tejidos — similar al de su madre al comienzo de la película— , distinguiéndolo de los compañeros de clase.

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Los colores y patrones de la ropa es un mecanismo diferenciador para el personaje de Brandon.

A la edad de 12 años, Brandon comienza a experimentar habilidades extraordinarias y un comportamiento impulsivo que sus padres atribuyen a la etapa adolescente.

Para recrear la escena del cumpleaños — clave en la película— la diseñadora escoge una paleta apagada en la ropa de los padres y tíos, destacando así a Brandon con colores saturados como el azul, amarillo y rojo, un guiño también a las tonalidades del icónico traje de Superman. Si hasta el momento el azul-celeste era el distintivo en Tori y Kyle, los tonos oscuros utilizados en el atuendo del matrimonio revelan el giro inesperado en la idílica vida de la familia.

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En la escena del cumpleaños, Brandon es el punto focal. La diseñadora emplea colores vibrantes en la ropa del niño con el fin de destacar su figura sobre los demás personajes.

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El color oscuro en el vestuario del matrimonio Breyer establece el punto de inflexión en la trama.

Los padres perciben una actitud cada vez más inquietante en Brandon. Si bien Kyle está convencido de que su hijo es el responsable de unos extraños sucesos en la granja, Tori cree en la inocencia del niño. Los primeros episodios violentos suceden en torno a Caitlyn, una compañera de colegio: lo que comienza con un acoso en la habitación de la chica, termina con una fractura grave en la clase de gimnasia.

Si hasta el momento, el azul — asociado al espacio terrenal— era la seña de identidad en el vestuario del protagonista, Autumn Steed añade color rojo a medida que la crueldad del personaje se intensifica. La diseñadora emplea detalles sugerentes, como una sudadera con capucha carmesí y zapatillas (con cordones) del mismo tono durante las escenas en las que Brandon dibuja en su cuaderno, vestigio del futuro traje del niño.

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En la imagen, Brandon tras acosar a su compañera Caitlyn. El personaje continúa con el color azul en la ropa, al que se le añade el rojo oscuro asociado a la maldad.

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Piezas respresentativas, como la capucha y el calzado deportivo rojos, aluden a la futura máscara de Brandon.

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En el momento que Brandon carga su ira contra Caitlyn, rompiéndole la mano, Brandon aparece en escena con una sudadera completamente roja, intensificando su crueldad.

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A medida que Brandon aumenta su ensañamiento, hay una progresión hacia el color rojo en su ropa.

En las sucesivas secuencias, el misterio del granero es desvelado: el aparato caído hace años en el bosque portaba en el interior a un bebé que los Breyer decidieron adoptar. El reproche de Brandon a sus padres por ocultar su verdadero origen, unido a una luz roja procedente de la nave que lo atrae, hacen aumentar sus estímulos más homicidas.

En esta etapa, Autumn Steed realiza un guiño al mítico personaje de terror Freddy Krueger. La diseñadora representa el paso de lo terrícola a lo extraterrestre en Brandon empleando líneas más gruesas en el vestuario, donde el color azul encarna lo terrenal y el rojo lo alienígena.

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En una de las secuencias, el atuendo de Brandon (dcha.) evoca al ya mítico “uniforme” de Freddy Krueger en “Pesadilla en Elm Street” (izda.)

Brandon toma posesión de sus poderes sobrenaturales, adaptando la pauta aleccionada por la nave de “dominar el mundo” a un contexto dañino, poniendo en peligro a todos los que se encuentran a su alrededor.

Cuando se cobra su primera víctima mortal, el chico aparece con una capa de color rojo y ocultando su rostro bajo una máscara del mismo tejido. La diseñadora combinó la apariencia espeluznante de personajes de cintas clásicas, como Terror al anochecer (1976) o Viernes 13. Parte 2 (1981), con la de superhéroes como Supermán o Spiderman, añadiendo una capa y un patrón similar al de una red de araña en la máscara.

Hasta llegar al resultado final, el proceso de realización de la máscara duró varios meses. Autumn Steed experimentó con unos 120 diseños antes de decantarse por la que Brandon porta en las escenas más espeluztantes. La pieza, de apariencia simple, simula ser confeccionada por el niño con los materiales que tiene a su alcance en la granja: la manta con la que duerme y los cordones de su calzado deportivo.

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El eje central de la apariencia del antihéroe creado por la Steed fusiona elementos de trajes de superhéroes con el de icónicas figuras del cine clásico de terror.

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Icónicos personajes de terror como El fantasma (izda.) o Jason Voorhees (centro) inspiraron la máscara de Brandon en “Brigtburn” (dcha.).

La destrucción de Brandon incluye su familia, a la que comienza a torturar. Kyle tiene la certeza de que Brandon es el responsable de los macabros e inquietantes sucesos acontecidos en la pequeña ciudad de Brightburn, todo lo contrario que Tori que, pese a las señales evidentes, está cegada por su instinto maternal apostando por la inocencia de su hijo.

Si el tono rojo se había asignado para representar la malicia del protagonista, Streed escoge la gama rosácea para potenciar las situaciones de peligro en las víctimas del perverso niño.  En Tori, el color rosa expresa la confrontación con su marido — de azul —además de equivaler al amparo hacia su primogénito.

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El rosa es empleado en los personajes secundarios como signo de advertencia a las acciones agresivas de Brandon.

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Steed emplea tonos opuestos para reflejar el enfrentamiento de la pareja. El rosa en el vestuario de Tori lo vinclula al amor hacia su hijo.

La coloración grisácea ilustra la transformación completa de Brandon. Una vez que el niño rechaza a sus padres, el azul del vestuario, que hasta ahora había compartido con su familia y hogar, da paso a un tono más sombrío, transmitiendo la frialdad del personaje ante sus actos criminales.

Iniciada la malévola venganza contra sus familiares, las prendas tornan a un tinte violáceo — resultante de la unión de azul y el rojo — como representación del poder máximo de las fuerzas del mal.

En la escena final, una vez acaba la misión de destruir a su familia, Brandon reaparece con ropa gris, revelando de nuevo el mutismo y la falta de emociones en el chico.

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Una vez que adquiere los poderes, la falta de emociones en Brandon se transmite a través de un color plomizo en su ropa.

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Finalmente, cuando ganan las fuerzas del mal, el color del vestuario del niño se vuelve morado, un tono asociado al poder y la violencia.

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En la escena final, la ausencia de sentir emociones se refleja en el vestuario que torna a gris.

Autumn Steed logra combinar el patrón de color tradicional del cine de terror con pinceladas particulares para manipular los estados de ánimo del personaje principal de Brightburn, convirtiendo a Brandon en un antihéroe siniestro.

 

Texto: Lola Delgado Pozo
Imágenes: IMBb, capturas pantalla


https://retalesdeunidilio.wordpress.com/2019/09/30/brightburn

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Ha nacido una estrella

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[Este artículo contiene spoilers]

El año pasado, el actor Bradley Cooper sorprendía debutando como director en la nueva adaptación de Ha nacido una estrella (A star is born, 2018). Esta cuarta versión presenta una historia renovada, idónea para un público del siglo XXI, realizada con una ambientación, estilo y música contemporáneos.

Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella de música country cuya vida personal naufraga en un océano de alcohol y drogas. En medio de la tempestad, una aspirante a cantante, llamada Ally (Lady Gaga), se cruza en su camino. A medida que el amor crece entre la pareja,  sus carreras profesionales toman un rumbo diferente.

Para este nuevo remake de Ha nacido una estrella, Cooper contó con la colaboración de Erin Benach en la creación del vestuario, todo un reto para la diseñadora, cuando aún perduran en el imaginario colectivo los estilismos de Judy Garland en la cinta del año 1954 o de Barbra Streisand y Kris Kristofferson en la versión de 1976.

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La diseñadora Erin Benach durante la exhibición “Art of Motion Picture Costume Design”.

La principal premisa de Erin Benach para idear el vestuario de Ha nacido una estrella fue obtener una apariencia atemporal, además de seguir las especificaciones del director, Bradley Cooper, que pretendía evitar cualquier distracción al espectador con la ropa con el fin de mostrar mejor las emociones de los personajes.

Mientras el cantante Jackson Maine goza de éxito en su carrera musical, su vida detrás de los escenarios hace aguas en una lucha constante contra sus adicciones.

Bradley Cooper preparó su interpretación para la película inspirándose en Eddie Vedder, líder de la banda Pearl Jam, cuyos estilismos guardan cierta semejanza con los de Jackson Maine en Ha nacido una estrella. En una de las primeras adaptaciones de vestuario para Cooper, Erin Benach probó en capturar el estilo de Jim Morrison, vistiendo al actor con pantalones de cuero, camisa salvaje y botas occidentales; pero, finalmente, guiada por estilo músical del personaje, la diseñadora optó por un aspecto sencillo y despreocupado.

Todas las prendas de Jack fueron hechas a medida por el departamento de vestuario; un trabajo minucioso, teniendo en cuenta que, por ejemplo, para fabricar el sombrero cowboy idóneo probaron más de 150 piezas. Los tejidos gruesos empleados en el atuendo acentúan el aspecto demacrado del protagonista, y su estilo inalterable pantalón vaquero y camisa revela el estancamiento vital que atraviesa.

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En ocasiones, el vestuario de Jack se asemeja al del cantante Eddie Vedder, figura en la que Cooper se inspiró en la preparación del personaje de “Ha nacido una estrella”.

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Todo el vestuario de Jack, prendas y accesorios, fue confeccionado desde cero por el departamento de vestuario.

Otro de los desafíos para el equipo de vestuario de Ha nacido una estrella fue encontrar una identidad propia para el personaje de Ally, huyendo así de cualquier recreación de Lady Gaga, célebre por sus excéntricos estilismos. El tándem de vestuario y maquillaje logra liberar a la protagonista de la película de cualquier artificiosidad, siendo la naturalidad su principal seña de identidad.

Ally es una joven luchando por el sueño de convertirse en cantante. Su primera aparición en pantalla la hace con el uniforme de camarera, una profesión eventual que detesta. El atuendo encorsetado refleja la incomodidad del personaje, una situación  cambiante cuando, terminada su jornada laboral, camina por un callejón oscuro tarareando la canción Somewhere over the rainbow. En ese instante, Ally es ella misma, haciendo lo que más le gusta: cantar; la diseñadora de vestuario libera al personaje mostrándolo con camisa blanca holgada por fuera y mangas remangadas.

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El atuendo ceñido e incómodo de Ally revela el enfado y malestar del personaje con un empleo que odia.

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Tras su jornada como camarera, la camisa que Ally saca por fuera mientras camina y las mangas remangadas indican el control sobre lo que sabe y le gusta hacer: cantar.

Una noche, Jack entra en un club de Drag Queens, quedando fascinado por la voz de Ally, que trabaja como cantante en el local. Jack emplaza a la joven para verse después del espectáculo y el flechazo entre ambos surge al instante.

Inicialmente, para la escena de la actuación, Erin Benach planificó una apariencia más extravagante en Ally, con un conjunto de patrón de diamantes de imitación y medias de rejilla, pero, tras advertir la iluminación rojiza y brillante de la atmósfera, el equipo decidió cambiar en el último momento el atuendo, eligiendo un sencillo vestido lencero que logra acentuar el magnetismo del personaje, captando la atención de Jack.

Tras la figura que Ally interpreta cada noche en el club se esconde una chica frágil. En su cita posterior con Jack, la joven viste de manera sencilla, con vaqueros, camiseta y cazadora de cuero, esta última pieza ejerciendo de armadura de la que sólo se desprende tras haber revelado sus inseguridades a Jack.

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Entre lentejuelas y luces rojas del club, el sencillo “sleep dress” de Ally logra llamar la atención de Jack.

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Para cubrir los temores e inseguridades del personaje, una chaqueta de piel funciona como coraza. Una vez que se sincera ante Jack, Ally se despoja de la prenda.

Jack invita a Ally a uno de sus conciertos, pero ella se niega. Finalmente, la joven abandona el trabajo de camarera tras un enfrentamiento con su jefe y decide asistir al show. Sobre el escenario, el cantante le propone interpretar a dúo una canción compuesta por ella. Tras el éxito obtenido ante el público, Ally lo acompaña en su gira por Arizona, la tierra natal del músico.

La interpretación del tema Shallow encarna un punto de inflexión en Ally. Para su presentación ante el mundo, la diseñadora elige un atuendo corriente formado por camiseta de algodón y pantalón de rayas; el logo de un águila con las alas abiertas sobre la camiseta alude a la liberación del personaje, que abandona todo por decisión propia para seguir a Jack, asumiendo el riesgo de cantar sin ningún artificio o disfraz.

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El símbolo del águila representa la libertad de Ally y su osadía al lanzarse a cantar ante el público.

Cuando Jack visita la plantación donde creció observamos cómo abandona los colores oscuros en el vestuario por primera vez: la camisa de color beige, mimetizada con el paisaje, lo vincula a la tierra familiar. El empleo de una tonalidad más nítida evidencia el buen estado en su relación con Ally, en un momento en el que el cantante se mantiene sobrio.

Aunque la historia de amor se afianza entre la pareja, el contraste de colores divergentes en sus prendas a lo largo de la película revela la dirección tan dispar que tomarán sus trayectorias personales y profesionales.

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Colores nítidos afianzan el deseo de Jack de encontrarse a sí mismo: su tierra y sin los efectos del alcohol.

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El color en el vestuario de cada uno de los protagonistas, en continuo contraste a lo largo de la película.

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Los tonos oscuros en Jack y los nítidos en Ally evidencian el distanzamiento en sus trayectorias vitales.

Ally comienza su ansiado sueño como cantante uniéndose a la gira de conciertos de Jack, adaptándose al estilo de Rock Country de su novio con prendas compradas en tiendas de segunda mano de las ciudades que visita. La diseñadora recorrió establecimientos vintage de Los Ángeles y Long Beach, donde adquirió auténticos tesoros de los años 70 y 80, como una camisa floral abotonada y un traje azul de encaje blanco y flecos.

El tema al piano Always remember us this way representa un momento estelar en la película, donde, por primera vez, Ally se enfrenta a una actuación en solitario. Benach creó una pieza enteriza con una carga significativa en el color blanco, revelando el dominio de la joven sobre el escenario.

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Durante la gira de conciertos por Arizona, Ally adapta su estilo natural de Los Ángeles al de Jack, con un toque “western-country”.

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Varias piezas fueron compradas en tiendas “vintage” de Los Ángeles y Long Beach.

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Erin Benach ideó un mono de color blanco con coloridos bordados en la parte delantera para el tema “Always remember us this way”.

El talento de Ally es descubierto por Rez Gavron, un importante representante artístico que comienza a modelar una nueva imagen para la cantante. El despegue de la carrera musical de la joven se ve empañado por la actitud de Jack, hundido cada vez más en su adicción. La estrella del country ve en su novia una tabla de salvación y la pareja contrae matrimonio.

Erin Benach logra proyectar visualmente las etapas de los protagonistas de Ha nacido una estrella a través de la ropa, siendo Ally el personaje que experimenta una transformación estilística más evidente, en la que se muestra la evolución del anonimato a una estrella de la música.

El departamento de vestuario de Ha nacido una estrella tuvo acceso a los archivos y el armario de Lady Gaga. Erin Benach escogió del guardaropa de la artista una chaqueta transparente bordada con motivos de terciopelo para la escena del estudio de grabación; la diseñadora añadió al look un collar de cuentas multicolor, comprado por 3 dólares en Santee Alley, ubicado en el distrito de moda de Los Ángeles.

La pedida de mano tiene lugar en las horas más bajas Jack. Aunque el color del vestuario de la pareja continúa siendo discordante, cobra interés el regreso de Jack a los tonos nítidos: el color blanco de la camisa revela el deseo del cantante de huir de su particular infierno. Durante la boda, los personajes lucen por primera vez tonos afines, logrando un equilibrio entre la pareja. Erin Benach cedió su propio vestido de novia para las escenas de la ceremonia nupcial en la película.

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Una de las prendas personales de Lady Gaga fue utilizada en la película “Ha nacido una estrella”.

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El blanco en Jack potencia la transmisión de confianza a Ally tras una recaída.

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El vestido de novia de Ally, con tejido de encaje de guipur, fue un préstamo personal de la diseñadora Erin Benach para la cinta.

Además de la transformación física, la nueva estrella del pop incorpora baile en las actuaciones. Antes del rodaje, Benach observó los ensayos de Lady Gaga con su coreógrafo con el fin de adaptar el vestuario a los movimientos de los bailarines. La diseñadora integró el estilo hip hop de las Fly Girl de la década de los 90 y del trío Destiny’s Child para la interpretación en un célebre programa de televisión del tema Why Did You Do That.

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Erin Benach estudió los movimientos de baile previos al rodaje para diseñar la ropa de Ally y su grupo de bailarines.

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El estilo del mítico grupo “Destiny’s Child” (izda.) fue fuente de inspiración para crear el vestuario de Ally (dcha.) en su camino hacia la fama.

El ascenso profesional de Ally es meteórico, ganando uno de los galardones más prestigiosos de la música: el Grammy como artista revelación. Jack, devastado por el consumo de alcohol y drogas, ofrece un espectáculo bochornoso durante el discurso de Ally.

La cantante, convertida en toda una estrella, comienza a vestir diseños de las principales casas de moda. Para la escena de la gala de los Grammy, originariamente se diseñó un modelo asimétrico de color negro, adornado de cristales y lentejuelas, pero en el último momento, Lady Gaga sugirió usar un vestido dorado creado por Gucci que la hace resaltar sobre el escenario. La firma italiana confeccionó un duplicado de la pieza en pocos días para poder rodar las escenas posteriores que tienen lugar en la ducha.

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La firma de lujo Gucci creó el vestido dorado con volantes que Ally luce en la gala de los premios Grammy.

Jack inicia una intensa rehabilitación en el centro de desintoxicación. A su salida, Ally cancela una gira europea para estar junto a su marido, que es acusado por el mánager de estar arruinando la carrera musical de su mujer. La idea de ser el responsable de la decisión de Ally lo atormenta, de manera que toma la decisión de acabar con su vida.
Tras el suicidio, Ally aparece sobre el escenario interpretando I’ll never love again, una conmovedora canción escrita por Jack para ella antes de morir.

En esta última parte de la película, el recorrido emocional de Jack se hace patente a través del color de su ropa negro en el momento que acepta su alcoholismo, blanco en su proceso de rehabilitación— y siguiendo la estela anterior, Erin Benach emplea la fórmula de tonalidades dispares entre la pareja, evidenciando el diferente rumbo que toman sus vidas. La escena con el protagonista completamente vestido de oscuro alude al trágico suceso.

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Colores completamente opuestos en el vestuario revelan las diferentes fases emocionales de Jack.

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En pleno proceso de desintoxicación, el color de vestuario en la pareja continúa en contraste, alegoría de sus destinos finales.

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Erin Benach emplea el color negro, asociado a la muerte, en el atuendo de Jack para insinuar su trágico final.

Transmitir al espectador la emoción del momento, además de capturar la belleza del estrellato de Ally, fue la intención de Erin Benach para una de las escenas más conmovedoras de la cinta, concibiendo un vestido de color azul cian discreto y elegante para la protagonista. El diseño está inspirado en el icónico traje de color aguamarina creado por Edith Head para Grace Kelly en la ceremonia de los premios de la Academia del año 1955,  uno de los más caros de la historia de los Oscars: se cree que la legendaria diseñadora adquirió el tejido de satén francés por valor de 4000$ de la época.

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El color del vestido creado por Benach realza la figura de Ally sobre un escenario sombrío.

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El vestido con el que Grace Kelly recogió su premio Oscar en 1955 (izda.) fue inspirador para idear el atuendo de Ally en su emotiva actuación final (dcha.)

Ha nacido una estrella es un claro ejemplo del laborioso trabajo —no sólo se trata de comprar prendas al azar— que hay detrás para idear el vestuario en una película de ambientación contemporánea. Erin Benach consigue transmitir emotividad en cada escena combinando piezas creadas por el departamento de vestuario con otras vintage y firmas de lujo.

 

Texto: Lola Delgado Pozo.
Fotos: IMDb, Vanity Fair, footwearnews.com, screenmusings.org, pinterest


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