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Ha nacido una estrella

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[Este artículo contiene spoilers]

El año pasado, el actor Bradley Cooper sorprendía debutando como director en la nueva adaptación de Ha nacido una estrella (A star is born, 2018). Esta cuarta versión presenta una historia renovada, idónea para un público del siglo XXI, realizada con una ambientación, estilo y música contemporáneos.

Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella de música country cuya vida personal naufraga en un océano de alcohol y drogas. En medio de la tempestad, una aspirante a cantante, llamada Ally (Lady Gaga), se cruza en su camino. A medida que el amor crece entre la pareja,  sus carreras profesionales toman un rumbo diferente.

Para este nuevo remake de Ha nacido una estrella, Cooper contó con la colaboración de Erin Benach en la creación del vestuario, todo un reto para la diseñadora, cuando aún perduran en el imaginario colectivo los estilismos de Judy Garland en la cinta del año 1954 o de Barbra Streisand y Kris Kristofferson en la versión de 1976.

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La diseñadora Erin Benach durante la exhibición “Art of Motion Picture Costume Design”.

La principal premisa de Erin Benach para idear el vestuario de Ha nacido una estrella fue obtener una apariencia atemporal, además de seguir las especificaciones del director, Bradley Cooper, que pretendía evitar cualquier distracción al espectador con la ropa con el fin de mostrar mejor las emociones de los personajes.

Mientras el cantante Jackson Maine goza de éxito en su carrera musical, su vida detrás de los escenarios hace aguas en una lucha constante contra sus adicciones.

Bradley Cooper preparó su interpretación para la película inspirándose en Eddie Vedder, líder de la banda Pearl Jam, cuyos estilismos guardan cierta semejanza con los de Jackson Maine en Ha nacido una estrella. En una de las primeras adaptaciones de vestuario para Cooper, Erin Benach probó en capturar el estilo de Jim Morrison, vistiendo al actor con pantalones de cuero, camisa salvaje y botas occidentales; pero, finalmente, guiada por estilo músical del personaje, la diseñadora optó por un aspecto sencillo y despreocupado.

Todas las prendas de Jack fueron hechas a medida por el departamento de vestuario; un trabajo minucioso, teniendo en cuenta que, por ejemplo, para fabricar el sombrero cowboy idóneo probaron más de 150 piezas. Los tejidos gruesos empleados en el atuendo acentúan el aspecto demacrado del protagonista, y su estilo inalterable pantalón vaquero y camisa revela el estancamiento vital que atraviesa.

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En ocasiones, el vestuario de Jack se asemeja al del cantante Eddie Vedder, figura en la que Cooper se inspiró en la preparación del personaje de “Ha nacido una estrella”.

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Todo el vestuario de Jack, prendas y accesorios, fue confeccionado desde cero por el departamento de vestuario.

Otro de los desafíos para el equipo de vestuario de Ha nacido una estrella fue encontrar una identidad propia para el personaje de Ally, huyendo así de cualquier recreación de Lady Gaga, célebre por sus excéntricos estilismos. El tándem de vestuario y maquillaje logra liberar a la protagonista de la película de cualquier artificiosidad, siendo la naturalidad su principal seña de identidad.

Ally es una joven luchando por el sueño de convertirse en cantante. Su primera aparición en pantalla la hace con el uniforme de camarera, una profesión eventual que detesta. El atuendo encorsetado refleja la incomodidad del personaje, una situación  cambiante cuando, terminada su jornada laboral, camina por un callejón oscuro tarareando la canción Somewhere over the rainbow. En ese instante, Ally es ella misma, haciendo lo que más le gusta: cantar; la diseñadora de vestuario libera al personaje mostrándolo con camisa blanca holgada por fuera y mangas remangadas.

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El atuendo ceñido e incómodo de Ally revela el enfado y malestar del personaje con un empleo que odia.

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Tras su jornada como camarera, la camisa que Ally saca por fuera mientras camina y las mangas remangadas indican el control sobre lo que sabe y le gusta hacer: cantar.

Una noche, Jack entra en un club de Drag Queens, quedando fascinado por la voz de Ally, que trabaja como cantante en el local. Jack emplaza a la joven para verse después del espectáculo y el flechazo entre ambos surge al instante.

Inicialmente, para la escena de la actuación, Erin Benach planificó una apariencia más extravagante en Ally, con un conjunto de patrón de diamantes de imitación y medias de rejilla, pero, tras advertir la iluminación rojiza y brillante de la atmósfera, el equipo decidió cambiar en el último momento el atuendo, eligiendo un sencillo vestido lencero que logra acentuar el magnetismo del personaje, captando la atención de Jack.

Tras la figura que Ally interpreta cada noche en el club se esconde una chica frágil. En su cita posterior con Jack, la joven viste de manera sencilla, con vaqueros, camiseta y cazadora de cuero, esta última pieza ejerciendo de armadura de la que sólo se desprende tras haber revelado sus inseguridades a Jack.

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Entre lentejuelas y luces rojas del club, el sencillo “sleep dress” de Ally logra llamar la atención de Jack.

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Para cubrir los temores e inseguridades del personaje, una chaqueta de piel funciona como coraza. Una vez que se sincera ante Jack, Ally se despoja de la prenda.

Jack invita a Ally a uno de sus conciertos, pero ella se niega. Finalmente, la joven abandona el trabajo de camarera tras un enfrentamiento con su jefe y decide asistir al show. Sobre el escenario, el cantante le propone interpretar a dúo una canción compuesta por ella. Tras el éxito obtenido ante el público, Ally lo acompaña en su gira por Arizona, la tierra natal del músico.

La interpretación del tema Shallow encarna un punto de inflexión en Ally. Para su presentación ante el mundo, la diseñadora elige un atuendo corriente formado por camiseta de algodón y pantalón de rayas; el logo de un águila con las alas abiertas sobre la camiseta alude a la liberación del personaje, que abandona todo por decisión propia para seguir a Jack, asumiendo el riesgo de cantar sin ningún artificio o disfraz.

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El símbolo del águila representa la libertad de Ally y su osadía al lanzarse a cantar ante el público.

Cuando Jack visita la plantación donde creció observamos cómo abandona los colores oscuros en el vestuario por primera vez: la camisa de color beige, mimetizada con el paisaje, lo vincula a la tierra familiar. El empleo de una tonalidad más nítida evidencia el buen estado en su relación con Ally, en un momento en el que el cantante se mantiene sobrio.

Aunque la historia de amor se afianza entre la pareja, el contraste de colores divergentes en sus prendas a lo largo de la película revela la dirección tan dispar que tomarán sus trayectorias personales y profesionales.

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Colores nítidos afianzan el deseo de Jack de encontrarse a sí mismo: su tierra y sin los efectos del alcohol.

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El color en el vestuario de cada uno de los protagonistas, en continuo contraste a lo largo de la película.

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Los tonos oscuros en Jack y los nítidos en Ally evidencian el distanzamiento en sus trayectorias vitales.

Ally comienza su ansiado sueño como cantante uniéndose a la gira de conciertos de Jack, adaptándose al estilo de Rock Country de su novio con prendas compradas en tiendas de segunda mano de las ciudades que visita. La diseñadora recorrió establecimientos vintage de Los Ángeles y Long Beach, donde adquirió auténticos tesoros de los años 70 y 80, como una camisa floral abotonada y un traje azul de encaje blanco y flecos.

El tema al piano Always remember us this way representa un momento estelar en la película, donde, por primera vez, Ally se enfrenta a una actuación en solitario. Benach creó una pieza enteriza con una carga significativa en el color blanco, revelando el dominio de la joven sobre el escenario.

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Durante la gira de conciertos por Arizona, Ally adapta su estilo natural de Los Ángeles al de Jack, con un toque “western-country”.

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Varias piezas fueron compradas en tiendas “vintage” de Los Ángeles y Long Beach.

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Erin Benach ideó un mono de color blanco con coloridos bordados en la parte delantera para el tema “Always remember us this way”.

El talento de Ally es descubierto por Rez Gavron, un importante representante artístico que comienza a modelar una nueva imagen para la cantante. El despegue de la carrera musical de la joven se ve empañado por la actitud de Jack, hundido cada vez más en su adicción. La estrella del country ve en su novia una tabla de salvación y la pareja contrae matrimonio.

Erin Benach logra proyectar visualmente las etapas de los protagonistas de Ha nacido una estrella a través de la ropa, siendo Ally el personaje que experimenta una transformación estilística más evidente, en la que se muestra la evolución del anonimato a una estrella de la música.

El departamento de vestuario de Ha nacido una estrella tuvo acceso a los archivos y el armario de Lady Gaga. Erin Benach escogió del guardaropa de la artista una chaqueta transparente bordada con motivos de terciopelo para la escena del estudio de grabación; la diseñadora añadió al look un collar de cuentas multicolor, comprado por 3 dólares en Santee Alley, ubicado en el distrito de moda de Los Ángeles.

La pedida de mano tiene lugar en las horas más bajas Jack. Aunque el color del vestuario de la pareja continúa siendo discordante, cobra interés el regreso de Jack a los tonos nítidos: el color blanco de la camisa revela el deseo del cantante de huir de su particular infierno. Durante la boda, los personajes lucen por primera vez tonos afines, logrando un equilibrio entre la pareja. Erin Benach cedió su propio vestido de novia para las escenas de la ceremonia nupcial en la película.

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Una de las prendas personales de Lady Gaga fue utilizada en la película “Ha nacido una estrella”.

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El blanco en Jack potencia la transmisión de confianza a Ally tras una recaída.

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El vestido de novia de Ally, con tejido de encaje de guipur, fue un préstamo personal de la diseñadora Erin Benach para la cinta.

Además de la transformación física, la nueva estrella del pop incorpora baile en las actuaciones. Antes del rodaje, Benach observó los ensayos de Lady Gaga con su coreógrafo con el fin de adaptar el vestuario a los movimientos de los bailarines. La diseñadora integró el estilo hip hop de las Fly Girl de la década de los 90 y del trío Destiny’s Child para la interpretación en un célebre programa de televisión del tema Why Did You Do That.

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Erin Benach estudió los movimientos de baile previos al rodaje para diseñar la ropa de Ally y su grupo de bailarines.

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El estilo del mítico grupo “Destiny’s Child” (izda.) fue fuente de inspiración para crear el vestuario de Ally (dcha.) en su camino hacia la fama.

El ascenso profesional de Ally es meteórico, ganando uno de los galardones más prestigiosos de la música: el Grammy como artista revelación. Jack, devastado por el consumo de alcohol y drogas, ofrece un espectáculo bochornoso durante el discurso de Ally.

La cantante, convertida en toda una estrella, comienza a vestir diseños de las principales casas de moda. Para la escena de la gala de los Grammy, originariamente se diseñó un modelo asimétrico de color negro, adornado de cristales y lentejuelas, pero en el último momento, Lady Gaga sugirió usar un vestido dorado creado por Gucci que la hace resaltar sobre el escenario. La firma italiana confeccionó un duplicado de la pieza en pocos días para poder rodar las escenas posteriores que tienen lugar en la ducha.

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La firma de lujo Gucci creó el vestido dorado con volantes que Ally luce en la gala de los premios Grammy.

Jack inicia una intensa rehabilitación en el centro de desintoxicación. A su salida, Ally cancela una gira europea para estar junto a su marido, que es acusado por el mánager de estar arruinando la carrera musical de su mujer. La idea de ser el responsable de la decisión de Ally lo atormenta, de manera que toma la decisión de acabar con su vida.
Tras el suicidio, Ally aparece sobre el escenario interpretando I’ll never love again, una conmovedora canción escrita por Jack para ella antes de morir.

En esta última parte de la película, el recorrido emocional de Jack se hace patente a través del color de su ropa negro en el momento que acepta su alcoholismo, blanco en su proceso de rehabilitación— y siguiendo la estela anterior, Erin Benach emplea la fórmula de tonalidades dispares entre la pareja, evidenciando el diferente rumbo que toman sus vidas. La escena con el protagonista completamente vestido de oscuro alude al trágico suceso.

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Colores completamente opuestos en el vestuario revelan las diferentes fases emocionales de Jack.

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En pleno proceso de desintoxicación, el color de vestuario en la pareja continúa en contraste, alegoría de sus destinos finales.

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Erin Benach emplea el color negro, asociado a la muerte, en el atuendo de Jack para insinuar su trágico final.

Transmitir al espectador la emoción del momento, además de capturar la belleza del estrellato de Ally, fue la intención de Erin Benach para una de las escenas más conmovedoras de la cinta, concibiendo un vestido de color azul cian discreto y elegante para la protagonista. El diseño está inspirado en el icónico traje de color aguamarina creado por Edith Head para Grace Kelly en la ceremonia de los premios de la Academia del año 1955,  uno de los más caros de la historia de los Oscars: se cree que la legendaria diseñadora adquirió el tejido de satén francés por valor de 4000$ de la época.

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El color del vestido creado por Benach realza la figura de Ally sobre un escenario sombrío.

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El vestido con el que Grace Kelly recogió su premio Oscar en 1955 (izda.) fue inspirador para idear el atuendo de Ally en su emotiva actuación final (dcha.)

Ha nacido una estrella es un claro ejemplo del laborioso trabajo —no sólo se trata de comprar prendas al azar— que hay detrás para idear el vestuario en una película de ambientación contemporánea. Erin Benach consigue transmitir emotividad en cada escena combinando piezas creadas por el departamento de vestuario con otras vintage y firmas de lujo.

 

Texto: Lola Delgado Pozo.
Fotos: IMDb, Vanity Fair, footwearnews.com, screenmusings.org, pinterest


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La la land

I have a dream… (Martin Luther King’s)retales_lalaland-0

La la land fue la película que marcó el año 2016. La cinta rescata el género musical al más puro estilo de Hollywood, rindiendo homenaje a los clásicos del cine y a la ciudad de Los Ángeles.

Mia (Emma Stone), una aspirante a actriz y Sebastian (Ryan Gosling), un músico de jazz, son dos jóvenes luchando por conseguir su sueño. Juntos recorrerán ese camino al éxito, enfrentándose a decisiones que pondrán en peligro su historia de amor.

Un montaje previo de musicales y películas románticas, realizado por el director Damien Chazelle, inspiró a la diseñadora Mary Zophres (Gangster Squad. 2013) para crear el vestuario de La la land. En Vidiots (Santa Mónica), Zophres alquiló títulos dispares como Los paraguas de Cherburgo (1964), Lola (1961), Las señoritas de Rochefort (1967), del francés Jacques Demy; musicales clásicos como Melodías de Broadway (1929), En alas de la danza (1936) o Sweet Charity (1969); y cintas más recientes como La gran belleza (2014). Revistas de moda y biografías de actrices completaron la fase de investigación.

Con el fin de lograr armonía visual en pantalla, Zophres trabajó conjuntamente con el diseñador de producción y el departamento artístico, intercambiando ideas sobre colores y tonos afines para cada escena, predominando en ocasiones la escenografía y, en otras, el atuendo. En su terreno, se centró en la forma y funcionalidad de cada prenda en los números musicales, combinando contemporaneidad con la nostalgia del viejo Hollywood.

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Los diferentes departamentos artísticos trabajaron conjuntamente para determinar el papel del color en cada escena, como el amarillo de la imagen.

Uno de los mayores desafíos para el departamento de vestuario fue la secuencia de apertura de La la land. El número musical, que transcurre en la autopista hacia Los Ángeles, fue ideado originalmente con una gama monocromática, pero Mary Zophres finalmente asignó colores de forma progresiva al vestuario de los 40 bailarines en función del automóvil del que salían: a los tonos marrones, azules y verdes se unen gradualmente los naranjas y rojos, para culminar todos los colores frente a un camión. Las prendas, adquiridas por triplicado en los almacenes Marshalls, Ross, H&M y Uniqlo, se almacenaron en los coches para los cambios entre toma y toma, tras la agitada coreografía rodada en un día caluroso del mes de agosto.

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Vestir a los bailarines del número musical inicial “Another Day of Sun” supuso todo un reto para Mary Zophres.

La la land comienza con un atasco en hora punta en la autopista de California: bocinas y música de emisoras de radio se suceden mientras Sebastian toca insistentemente el cláxon de su Buick Riviera a una distraida joven que, ensayando un guión en su coche, ignora la reanudación del tráfico.

Sebastian es un chico corriente, apasionado del jazz, que sueña con abrir su propio club en una época en la que este estilo de música tiende a desaparecer. Ese amor por el pasado es representado con un estilo formal y retro durante toda la película. Figuras como los pianistas de jazz Bill Evans o Hoagy Carmichael, y actores como James Dean o Marc Michel, influyeron en la diseñadora de vestuario para crear la estética del personaje masculino.

Mía, camarera en la cafetería de los estudios Warner Bros, vive realizando eternas pruebas con el propósito de lograr un papel como actriz. El punto de partida para idear el vestuario de Mía fue Ingrid Bergman, por la que la joven siente verdadera admiración. Además de fotografías de la estrella sueca, el estilo de legendarias actrices como Catherine Deneuve o Grace Kelly ayudaron a construir la identidad de la protagonista de La la land .

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El estilo de Marc Michel en “Lola” (1961) e Ingrid Bergman en una prueba para “Intermezzo” (1939), fueron determinantes para crear el vestuario de los protagonistas de “La la land”.

En la cafetería, Mía atiende a una célebre actriz vestida con un elegante diseño de encaje rojo, un color que hace presagiar los sucesivos infortunios del día: desde un cliente derramando una bebida en la camisa blanca de la joven prenda inspirada en una toma de los años cuarenta de Ingrid Bergman hasta una malograda audición con un abrigo de color azul ocultando una gran mancha.

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El color del vestuario juega un papel primordial en la narración de “La la land”.

Las compañeras de piso de Mía la convencen para asistir a una fiesta en una mansión de Hollywood; pero el ambiente frívolo no encaja con ella, abandonando la celebración antes de tiempo. De regreso a casa, la melodía procedente de una pub le atrae. Al entrar la joven se percata de que el pianista es el chico del atasco. Sebastian, tras saltarse el repertorio establecido, es despedido, empujando a Mía a su salida del local.

La gama cromática de la película fue definida por el equipo artístico antes del rodaje con el fin de crear una estética en Tecnicolor. Zophres eligió el azul, un color invernal asociado a la fantasía, para el personaje de Mía; y para las compañeras, tras descartar el rosa para una de ellas por ser usado en los exteriores, pone en escena tres colores primarios intensos: verde, amarillo y rojo, evocando a clásicos musicales como West Side Story (1961) o Sweet Charity (1969).

Si en las primeras escenas observábamos los tonos marrones identificando a Sebastian, su estilo se torna más formal cuando toca el piano en el pub; el azul oscuro de su chaqueta, revela la melancolía del momento, creando además un vínculo con Mía, vestida también con ese color.

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El colorido en Tecnicolor de musicales clásicos como “Sweet Charity” (izda.) inspiraron el vestuario de “La La Land” (dcha.)

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El color coordinado del vestuario de Mía y Sebastian como forma de vincular a los protagonistas.

En primavera, Mía y Sebastian coinciden en una fiesta. Al caer la noche, la pareja observa la ciudad de Los Ángeles desde la cima de la colina. Mientras Sebastian canta A Lovely Night, Mía se quita las sandalias de tacón, calzándose unos zapatos similares a los de Sebastian. Los dos acaban bailando juntos.

El vestuario de los números de baile fue confeccionado desde cero. Mary Zophres, prendada de un diseño amarillo Alta Costura de Versace que Emma Stone lució en el año 2014 durante la premier de The Amazing Spider-Man 2, propuso al director de La la land usar ese color vibrante para las escenas de A Lovely Night. En la cadena estadounidense Jo-Ann Fabrics, Zophres encontró el tejido de poliéster perfecto para el vestido de Mía, al que se le añadió un estampado de  flores inspiradas en Matisse, pintadas a mano por Rob Phillips.

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Un diseño de color amarillo de Versace (izda.) fue toda una revelación para crear el vestido amarillo de Mía en “La la land” (dcha).

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Zophres no quería un tejido elegante para la joven Mía, optando por un tejido sintético “low cost” al que se le añadió un estampado pintado a mano.

Un día, Sebastian aparece sin previo aviso en la cafetería Café Sur Le Lot para ver a Mía. La pareja pasea por los estudios de cine, conversando sobre sus pasiones y sueños. La velada continúa en un club de jazz donde la joven recibe una llamada ofertando un papel para una serie de televisión. Sebastian propone ir juntos al cine para ver la película Rebelde sin causa.

La buena sintonía de los protagonistas se ve reflejada en la similitud de sus atuendos de color beige. Las mangas remangadas en la camisa de Sebastian revelan la determinación en su discurso. Aunque la película está ambientada en la actualidad, el vestuario masculino de la película es una reinterpretación moderna del estilo de la década de los años 50 y 60. El calzado es la pieza que mejor define la personalidad de Sebastian, aportando un toque extravagante y divertido a su aspecto. La primera idea de Zophres fue utilizar la línea de zapatos Stacy Adams, decantándose finalmente por un calzado bicolor, adquirido en la tienda de baile Worldtone.

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El vestuario afín de Mía y Sebastian plasma la buena armonía de la pareja.

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El llamativo calzado de dos tonos define la personalidad de Sebastian y su gusto por el jazz.

Mía debe ir a una cena con su novio Greg la misma noche de su cita con Sebastian, quien tras esperarla un tiempo en el cine Rialto, entra solo en la sala. En el restaurante, una música de piano le recuerda a Sebastian y, sin más, se marcha del lugar para reencontrarse con él . Tras un incidente con el rollo de la película, deciden dirigirse al Observatorio Griffth donde, finalmente, se besan.

De los 47 cambios de ropa de Mía en la película, el color del vestido de la escena planetario era el único especificado en el guión, inspirado, según Zophres, en un diseño verde esmeralda de Judy Garland en Ha nacido una estrella (A star is born, 1954), pero también evocador al que la legendaria actriz lució en Desfile de Pascua (Easter Parade, 1948). La joven completaba el sencillo estilismo con colgante y pendientes de Kyle Chan Design y zapatos de Worldtone.

Sebastian hace gala de su romanticismo acudiendo al encuentro con un atuendo de lana, confeccionado de manera funcional por el departamento de vestuario con el fin de facilitar los movimientos en la coreografía: chaqueta beige; pantalón marrón, intencionadamente corto, mostrando sus zapatos; y corbata adquirida en una tienda de alquiler de Hollywood.

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Los personajes lucen un vestuario confeccionado a medida para la escena del baile del planetario.

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El color verde del vestido de Mía, inspirado en uno de Judy Garland. Izda, la mítica actriz en una escena del musical “Desfile de Pascua” (1948).

La pareja comienza un romance mientras continúan persiguiendo sus sueños. Un estado de felicidad patente en el vestuario en el que apreciamos, además de una variación en la gama cromática, tornando a colores rosados suaves, una concordancia en la ropa de los protagonistas. En este tipo de escenas, ciñiéndose al presupuesto, la diseñadora combinó prendas alquiladas con otras adquiridas en tiendas vintage como Playclothes (Burbank. California) o de firmas como Armani, Burberry o H&M.

Una noche, en el Lighthouse Café, Sebastian rechaza una oferta como teclista en la banda de un amigo. Tras una conversación telefónica de Mía con su madre sobre la situación económica de su novio, el joven pianista accede a tocar en el grupo The messengers.

El tono rosado oscuro, casi rojo, de la camiseta de Mía alerta de un cambio de rumbo en los acontecimientos.

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Durante el romance, la pareja luce un vestuario similar. En la imagen, Mía con falda de la tienda vintage “Playclothes” y camisa de H&M.

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El color rojizo como símbolo de advertencia en la historia de amor de “La La Land”.

Sebastian emprende una gira con la banda, mientras Mía centra su carrera como escritora de una obra de teatro. A medida que los proyectos avanzan, la relación se va distanciando. Durante una cena, los reproches no se hacen esperar. Sebastian no acude al estreno de Mía y la pareja rompe.

La diseñadora evidencia el alejamiento a través del vestuario: los colores comienzan a desaparecer y los estilismos se convierten en monocromáticos. La culminación tiene lugar en la cena donde ambos visten en tonos oscuros, evidenciando el fin del romance.

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Los tonos cobran importancia en el personaje masculino: con traje negro en su gira con “The Messengers”.

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Estilismo monocromático de Mía (dcha.), inspirado en una fotografía de la actriz Grace Kelly (izda.).

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En el instante en que la relación deja de funcionar los colores se oscurecen: Sebastian viste de negro y Mía, de azul marino.

Sebastian recibe una llamada de una importante agencia de casting interesada en Mía; el músico viaja hasta Boulder City para encontrar a la joven, acompañándola a la audición. Ambos están convencidos de seguir sus propios caminos, luchando por sus proyectos.

En el reencuentro de la pareja, el color azul del comienzo del filme regresa a la indumentaria de los protagonistas en un tono más suave, ayudando a  establecer un sentimiento frío y distante.

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El color afín en el vestuario de Sebastian y Mía los une en su propósito de alcanzar sus sueños, a la vez que el tono los distancia.

Cinco años después, Mía se ha convertido en una afamada actriz. Una noche, decide entrar en un club de jazz junto a su marido, descubriendo que se trata del local de Sebastian. Mientras el músico toca el piano, ella recuerda el pasado, imaginando cómo hubiera sido su vida junto a él. Antes del salir del local, las miradas de ambos se cruzan y sonrién.

El éxito profesional de Mía se ve reflejado en un vestidor sofisticado en tonalidades monocromáticas. Una fotografía de Catherine Deneuve luciendo un diseño con dos tirantes cruzados en la espalda fue inspiradora para adquirir, en los grandes almacenes de lujo Saks Fifth Avenue, el vestido azul oscuro de Jason Wu que Mía lleva en las secuencias junto a su marido. La diseñadora de joyas Monique Pean creó para el personaje de Mía un sencillo colgante de color aguamarina.

Sebastian adopta nuevamente el estilo nostálgico y clásico del comienzo con tonos marrones en la ropa.

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Catherine Deneuve (izda.) en el estreno en Londres de la película “Repusión” (1965). Mía (dcha) viste un diseño similar de Jason Wu en las últimas secuencias de “La la land”.

Mía fantasea con su vida junto a Sebastian mientras reaparece el color en la escenografía y el vestuario. La diseñadora Mary Zophres rememora así clásicos musicales de Hollywood como Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain. 1952) o Un americano en París (An American in Paris. 1951), combinando diseños coloridos en las mujeres con atuendos negros en los hombres. En Sebastian destaca el traje de color crema, afianzando su amor por Mía.

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Primera imagen, escena de “Cantando bajo la lluvia” (1952), musical tomado como referente para crear el vestuario de “La la land” (segunda imagen)

El epílogo de La la land alude de manera obvia al baile Never gonna dance, de Ginger Rogers y Fred Astaire en la película Swing Time (En alas de la danza. 1936). Para el vestido blanco de Mía, Zophres trató de crear el mismo movimiento que Bernard Newman logró con Rogers. El diseño, confeccionado con gasa de seda y una falda de capas con tejido de charmeuse debajo, fue el más caro de los que luce el personaje de Mía. El estilismo se completa con un conjunto de pendientes, sortija y brazalete de Monique Pean.

Durante el rodaje, uno de los zapatos de Mía se rompió. El departamento de arte roció de color plateado otro que tenían para la actriz Emma Stone, con el fin de poder continuar con la toma, de la que ya habían filmado una parte.

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El clásico “Swing Time” (1936) fue tomado como referente para el mágico baile final entre Mía y Sebastian.

La la land abraza la nostalgia del cine clásico y Mary Zophres logra narrar la relación de los personajes a través del color en el vestuario.

Texto: Lola Delgado Pozo.
Fotos: IMDb, http://www.lalaland.movie, fancaps.net, pinterest.


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