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La chica danesa

Retales_La-chica-danesa-1En el año 2015 se estrenaba La chica danesa, adaptación cinematográfica de la novela homónima escrita por David Ebershoff.

La película, dirigida por Tom Hooper, narra la historia de los Wegener, un matrimonio de pintores daneses cuya relación toma un rumbo inesperado en el momento que Einar Wegener se transforma en Lili Elbe, considerada la primera persona en someterse a un cambio de sexo.

El español Paco Delgado fue el encargado de recrear el vestuario de finales de la década de los años 20 y abordar la transición de Einar a través de la ropa, un trabajo que le valió su segunda nominación a los premios de la Academia (Oscars de Hollywood).

El diseñador, quien ya se enfrentó al reto de transformar a actores en mujeres en La piel que habito o La mala educación, emprendió su trabajo un año antes del rodaje de la cinta. Tras leer el guión, visitó Copenhague con el fin de estudiar la luz y el clima de la ciudad; en la biblioteca nacional de la capital danesa examinó testimonios gráficos de la pareja y de su entorno de amigos. Delgado completó su investigación con el libro autobiográfico de Niels Hoyer Man Into Woman, así como el estudio de la obra pictórica de Gerda Wegener.

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En el proceso de investigación, fotografías del matrimonio Wegener (izda.) sirvieron para crear el aspecto de los personajes en “La chica danesa” (dcha.).

El matrimonio formado por los pintores Einar (Eddie Redmayne) y Gerda Wegener (Alicia Vikander) vive una vida estable en Copenhague; pero, mientras que Einar es un aclamado paisajista entre la sociedad bohemia de la ciudad, Gerda no triunfa como retratista.

En las secuencias acontecidas en Dinamarca, Paco Delgado reduce la gama cromática del vestuario de los personajes en azules, grises y negros con tejidos como el algodón, la lana o el lino, dando un aspecto sobrio y sombrío a los personajes. El diseñador, además, refleja a la sociedad danesa reprimida de la época a través de una indumentaria de estilo eduardiano.

Los trajes sastre rígidos y camisas de cuellos altos almidonados funcionan como una armadura para Einar, mostrando la incomodidad del personaje sobre su propia piel y ocultando sus verdaderas emociones. Incluso el aspecto de Gerda, algo despreocupado, pero sin perder la feminidad, se presenta oprimido con vestidos encorsetados de dos piezas y botas altas con cordones.

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Para la etapa en Copenhague e influenciado por la pintura de Gerda Wegener, Paco Delgado confiere un aspecto sombrío a los personajes con colores de tonalidades frías.

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El estilo eduardiano, con cuellos altos y almidonados, muestra un aspecto rígido en el pintor Einar Wegener.

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El diseñador Paco Delgado crea un vínculo entre Einar y Gerda Wegener con botas altas de cordones, como muestra de la falta de libertad en la sociedad danesa de la época.

Gerda debe terminar el retrato de su amiga Ulla Poulsen, bailarina del Royal Danish Ballet. En una de las sesiones, Ulla se retrasa  y Gerda persuade a Einar para reemplazar a la modelo colocándose encima un vestido, unas medias y unos zapatos de mujer. El instante en el que el pintor acaricia las medias y el tejido de la ropa es toda una revelación: el comienzo de comprender su verdadera identidad de género. Ulla apoda a Einar con el nombre de Lili cuando lo ve vestido de mujer.

El traje usado en la escena de modelado fue la única prenda de la película reproducida por Paco Delgado del cuadro original de Gerda Wegener, descrita con detalle por David Ebershoff en su novela.

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El vestido usado por Einar para posar fue la única prenda de la película que el diseñador Paco Delgado reprodujo con exactitud de un cuadro real de Gerda Wegener.

Ulla invita al matrimonio Wegener al baile de los artistas. Tras la negativa de Einar, Gerda tiene la idea de que su marido asista a la fiesta como Lili, tomando prestado un vestido y una peluca del departamento de vestuario de la ópera. Durante el evento, Lili es cortejada y besada por el joven Henrik Sandal, momento presenciado por Gerda.

Para la primera aparición pública de Lili Elbe, Paco Delgado ideó un diseño más teatral, inspirado en el robe de style de la parisina Jeanne Lanvin, con una paleta de color cálida. Debido al bajo presupuesto con el que contaba y no poder replicar el vestido completo, el figurinista realizó varias versiones de la parte superior para la secuencia en la que Lili sangra por la nariz, con el fin de cambiarlo de forma rápida.

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Izquierda, boceto de Paco Delgado. Derecha, diseño para Lili en la escena del baile de los artistas de “La chica danesa”.

Gerda pide a su marido la desaparición de Lili, pero ésta comienza a verse a escondidas con Henrik. Finalmente, Einar le revela a su esposa la relación de Lili con dos hombres.

En el momento en que Lili sale a la calle como mujer, al encuentro con el joven Henrik, ella luce una feminización excesiva peluca rojiza y maquillaje fuerte debido a la etapa de confusión por la que atraviesa. El vestido elegido, manteniendo la gama azulada por la que optó Delgado para representar Dinamarca, define la vulnerabilidad y ternura de la protagonista en una de las escenas más sobrecogedoras de la película.

El matrimonio acude a un doctor con el fin de tratar las molestias que sufre Einar. En la clínica, a través de un procedimiento radiactivo, intentan cambiar su transtorno de masculinidad.

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Bocetos de Paco Delgado. Abrigo y vestido de Lili en su salida a la calle como mujer.

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Paco Delgado mantiene el azul para representar a los protagonistas en Dinamarca. La tonalidad oscura aumenta el dramatismo a la secuencia.

El declive de Einar contrasta con el resurgir artístico de su mujer, quien encuentra en Lili a su musa, retratándola en todos los cuadros. Una galería francesa se interesa por los retratos de Gerda y la pareja decide instalarse en París, una ciudad más tolerante y permisiva.

En Francia, el colorido invade el espacio. Paco Delgado recreó el vestuario de los personajes tomando como referencia las alegres ilustraciones realizadas por Gerda para revistas de moda como Vogue o La Vie Parisienne.

La liberación que va adquiriendo Lili se refleja en una paleta cromática cálida con naranjas, rosados y cremas, en tejidos fluidos como la gasa o la seda. Gerda, por su parte, muestra diseños más sofisticados que en Dinamarca, con una silueta más vanguardista de la época inspirada en Coco Chanel.

El equipo de vestuario rastreó mercadillos y tiendas de antigüedades de Barcelona, Madrid, Londres, París, Dinamarca o Bruselas con el fin de encontrar piezas similares a las que aparecen en los retratos de Lili. Finalmente, para el personaje de Lili, Delgado adquirió vestidos de la época, desmontándolos y confeccionando nuevos diseños. Por su parte, la mayoría de los trajes que luce Gerda son comprados en anticuarios.

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Izquierda, pintura de Gerda con Lili Elbe como musa. Centro, boceto de Paco Delgado. Derecha, el personaje de Gerda Wegener (Alicia Vikander) en “La chica danesa”.

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El 90% de la ropa y zapatos de Lili fueron confeccionados desde cero por el equipo de vestuario a partir de tejidos extraidos de trajes de la época.

El matrimonio atraviesa por sentimientos cambiantes durante el proceso de aceptación de Ainar, emociones transmitidas por Delgado a través de diferentes matices de la ropa. En el momento que Lili se ofrece a posar para Gerda, ambas lucen un atuendo afín en color crema, mostrando la compenetración entre las dos mujeres.

Sin embargo, tras una fiesta de presentación de las nuevas obras de la pintora danesa, a la que Gerda acude sola, ésta no puede reprimir su tristeza viendo que su marido se aleja de su lado. La pesadumbre del personaje queda patente con un abrigo y sombrero de color negro.

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Los colores crema manifiestan el entusiasmo de la pareja en París.

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Paco Delgado emplea el color negro enfatizando los sentimientos de tristeza que invaden a Gerda Wegener.

Otro de los desafíos a los que se enfrentó el departamento de vestuario fue la transformación de la silueta inicial de Einar. El equipo optó por utilizar un corsé y ocultar su estrutura ósea masculina mediante aplicaciones o pliegues en la zona del pecho y cadera, dando volumen y forma al cuerpo; los pañuelos en el cuello disimularon su nuez (manzana de Adán).

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Con el fin de evitar usar cuellos altos o collares, Paco Delgado optó por emplear pañuelos para esconder la prominente nuez de Einar.

Wegener no puede volver a ser Einar e intenta encontrar respuestas en libros y nuevos médicos. En una escena crucial del filme, Einar es atacado por dos hombres en un parque; a partir de ese momento, Gerda acepta a Lili y ambos se encuentran con un nuevo médico alemán llamado Kurt Warnekros.

Para esta etapa de confusión, Delgado apostó por un traje favorito del diseñador color crema para el personaje, compuesto por una chaqueta y pantalón fluido. El conjunto fue confeccionado a medida por una sastra con el fin de crear un atuendo de mujer hecho con la idea de un hombre. El figurinista equipó el atuendo con un pañuelo estilo ascot anudado al cuello en color lavanda, una tonalidad que reúne la fuerza emocional del rojo y la tristeza del azul.

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El traje color crema, cortado por una mujer sastre, marca el momento en que Einar Wegener logra aceptar su identidad femenina.

Einar viaja a Dresde, Alemania, para someterse a una operación de cirugía de cambio de sexo; Gerda le obsequia con un fular de color beige. En la clínica, se presenta como Lili Elbe, ataviada con un vestido de tercipelo verde, un color cargado de simbolismo, asociado a la naturaleza y a la esperanza. El personaje al fin acepta su identidad desprendiéndose del excesivo maquillaje y de la peluca, adoptando una imagen menos burda.

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Lili reconoce su identidad femenina, apareciendo sin pañuelo en el cuello, ausencia que dota al personaje de libertad.

Tras la primera operación, Lili y Gerda regresan a Dinamarca. Lili se muestra luciendo una imagen más femenina, con un maquillaje natural, su propio pelo peinado con ondas, y un estilo refinado en su vestimenta. Paco Delgado no deja de representar el vínculo de la pareja en las escenas a través del pañuelo que Gerda le regaló puesto en el cuello de Lili.

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A su regreso a Dinamarca, el color azul reaparece en la vestimenta de Lili, pero con un estilo más refinado y femenino.

Lili Elbe atraviesa una situación crítica tras someterse a una segunda operación. Mientras Lili ha alcanzado su total libertad y muestra su condición sexual a través de una bata rosa, el color negro del vestuario de Gerda hace presagiar el fatal desenlace.

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En las escenas finales, las tonalidades en el vestuario, manifiestan las sensaciones de los personajes.

En La chica danesa, el diseñador Paco Delgado logra escenificar los sentimientos a través de color en el vestuario, adaptando además la cambiante identidad del personaje masculino de Einar a la feminidad de Lili.

 

Texto: Lola Delgado Pozo.
Fotos: IMDb, pinterest.
Bocetos: awardsdaily, wwd.com, hollywoodreporter.


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La cumbre escarlata

Retales_Cumbre-escarlata-0[Este artículo contiene spoilers]

Hay directores que se caracterizan por tener un estilo cinematográfico singular. En Guillermo del Toro, la creatividad es su gran distintivo: una obra donde la fantasía se fusiona con lo terrenal y el color es parte esencial de la narración.

Todos estos elementos se suceden en La cumbre escarlata (Crimson Peak. 2015), una cinta en la que Del Toro reabre el subgénero del romance gótico.

La joven Edith Cushing (Mia Wasikowska) es seducida por el misterioso Sir Thomas Sharpe (Tom Hiddleston). Tras contraer matrimonio, la pareja se muda a la mansión familiar de los Sharpe, donde la joven se enfrentará a Lady Lucille (Jessica Chastain), hermana de Thomas, y a los oscuros secretos que esconden los muros de la casa.

Construir el vestuario y coser la arquitectura fue la premisa por parte del director para crear La cumbre escarlata. El departamento de vestuario, encargado de recrear los dos mundos en los que se desarrolla la trama, estuvo encabezado por la diseñadora Kate Hawley.

Originalmente, la película se establecía en la realidad, por lo que Hawley investigó el período victoriano, pero a medida que avanzaba la producción, la cinta fue adquiriendo un carácter de fantasía. La diseñadora tomó a ilustradores y pintores simbolistas de la época como fuente de inspiración para idear los trajes de los personajes principales. La escena con la que da comienzo la película es una muestra de ello: una joven con piel pálida y cabello suelto evoca a la obra La dama de honor (The Bridesmaid. 1851), de John Everett Millais.

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La primera imagen de Edith Cushing en la película (dcha) proviene de la pintura “The Bridesmaid” (1851), de John Everett Millais (izda).

“Los fantasmas existen, de eso estoy segura” narra una voz en off femenina mientras en pantalla aparece la joven descrita anteriormente. Sus palabras relatan hechos ocurridos siendo una niña, cuando el espíritu de su madre fallecida se le apareció con una advertencia: “hija mía, cuando llegue el momento, cuidado con la cumbre escarlata”.

El vestuario de las primeras escenas es significativo. Los colores oscuros, como el negro y el gris —representativos de la muerte— nos remiten a un trágico pasado, mientras que elementos como un gran lazo o un camisón de mangas abullonadas, y que se mantendrán en su vida adulta, definen a la protaginista de la historia: Edith Cushing.

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Colores oscuros, símbolos de sombras y muerte, escenifican el tiempo pasado.

Tras las lúgubres secuencias, la historia se sitúa catorce años después en la moderna y fulgurante ciudad de Búfalo (Nueva York). La atmósfera y vestuario en tonos cálidos y tostados manifiestan la riqueza y el progreso de la época.

La aspirante a escritora, Edith Cushing, se dispone a entregar una novela en la que está trabajando. El color ocre de su vestido, integrado con el escenario, simboliza el crecimiento personal de la joven. Con una silueta fiel a las tendencias de la última década del siglo XIX,  el atuendo se compone de una chaqueta corta y una falda ceñida en la cintura, pero acampanada en la parte inferior, proporcionándole libertad de movimiento.

El diseño masculino y funcional del traje presenta a una mujer intentando abrirse camino en una sociedad dominada por hombres. Aunque en la época fueron comunes las mangas gigot, la diseñadora las ensalza en Edith, reforzando la seguridad y firmeza de la joven, además de distinguirla del resto de féminas que aparecen en pantalla.

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El vestuario de la ciudad de Búfalo (Nueva York) respeta la silueta de la época (izquierda, figurin de la época victoriana). El estilo masculino de Edith revela modernidad y progreso.

En el interior de la oficina, Edith conoce a Sir Thomas Sharpe, un aristócrata inglés en busca de financiación para invertir en un extractor de arcilla. El señor Carter Cushing , padre de Edith, rechaza el proyecto.

La diseñadora debía evitar el blanco, el negro y el rojo para los trajes de Búfalo, optando por tonos crema, marrones y naranja oscuro. Así, podemos ver a Edith con una delicada blusa fruncida beige, confeccionada a mano por el departamento de vestuario. Nuevamente, los accesorios están cargados de simbolismo en la protagonista: una corbata negra o un pequeño alfiler con la imagen de una calabera rememoran a su madre fallecida.

Hawley emplea el naranja como sustituto del rojo para representar el peligro: en el personaje de Carter Cushing, el color de su chaleco se emplea como un fatídico presagio.

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El color negro de la corbata (pieza popular de finales de la época victoriana), y el alfiler con forma de calabera, representan a la madre fallecida de Edith.

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Los tonos anaranjados sustituyen al rojo, este último no permitido para los personajes que aparecen en la ciudad de Búfalo.

Edith elude ir a una recepción en la residecia de los McMichael. En su habitación, el fantasma de su madre regresa advirténdole nuevamente sobre la cumbre escarlata. Instantes después, Thomas Sharpe acude a la casa, persuadiendo a la joven para asistir al baile.

A su llegada, la pareja sorprende a todos los asistentes. Edith luce radiante un conjunto totalmente diferente al que había mostrado hasta ahora compuesto por dos piezas: una capa y un escotado vestido de noche. El diseño, de un color crema vibrante, revela la delicadeza de la joven junto a Thomas; una gran cinta negra en la parte trasera preserva la memoria de su madre. La obra The Black Sash (1905), del pintor italiano Giovanni Boldini, pudo haber servido de inspiración a Kate Hawley para crear la elegante pieza.

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“The Black Sash” de Giovanni Boldini (izda.) pudo servir de inspiración para el delicado vestido de baile de Edith (centro y dcha.)

En el salón del baile, Edith conoce a Lucille Sharpe, hermana de Thomas. Su figura destaca entre los demás invitados por el intenso color carmesí de su vestido.

El traje fue incluido a última hora en el rodaje, de manera que el departamento de vestuario, tras dos semanas intensas, tratando de obtener los detalles y el rojo adecuado, obtuvo la elaborada pieza de seda. El diseño, más cercano a la moda de la década de 1870, evoca a obras pictóricas como Mujeres jóvenes mirando los objetos japoneses (Young women looking at Japanese articles. 1869), de James Tissot.

El vestido está cargado de simbolismo: el cierre con cordones de la parte trasera se asemeja a la columna vertebral humana, un detalle que revela el estado real y mísero de la familia Sharpe; por otra parte, la gran cola de sirena de capas plisadas concentrada en sus pies como un charco de sangre o la arcilla roja que emana de las minas de la propiedad de los Sharpe, y los cordones con dardos de metal colgando de sus muñecas, crean un efecto amenazador.

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El vestuario de Lucille Sharpe, evoca a obras como “Young women looking at Japanese articles” de Tissot (izda). Un diseño cargado de simbolismo (dcha.)

Carter Cushing ordena investigar a los hermanos Sharpe, descubriendo su oscuro pasado y exigiéndoles que abandonen la ciudad. Edith comienza un romance con Thomas pero, ajena a lo que ocurre, y tras las amenazas del padre del señor Cushing, el aristócrata inglés se despide de la joven rompiéndole el corazón.

Durante las secuencias transcurridas en el parque, podemos observar la disparidad de las dos mujeres que forman parte de la vida de Thomas Sharpe. Si bien Edith encarna a una bella y frágil mariposa, Lady Lucille es la polilla negra, insecto que prolifera en la mansión de los Sharpe. La diseñadora Kate Hawley, inspirada en célebres obras pictóricas y tradiciones victorianas, incorpora pequeños detalles en el vestuario, capturando la esencia de cada personaje.

En Edith, los colores dorados y la blusa con bordados florales simbolizan la vida y la delicadeza. Una de las piezas más fascinantes de su atuendo, basada en joyas de luto victorianas, es un cinturón trenzado con cabello real; la hebilla, esculpida a escala real y fundida para asemejarse al marfil, representa las manos entrelazadas de la madre fallecida alrededor de la cintura de la joven.

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Boceto (izda.) de Kate Hawley en el que se ilustra el diseño del cinturón de Edith Cushing (dcha.), inspirado en joyería victoriana.

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La obra “Holyday” (izda.), también conocida como “The Picnic”, pintada en 1876 por el francés James Tissot, fue inspiradora para recrear piezas como el sombrero de Edith Cushing.

Como hemos observado hasta el momento, el color juega un papel importante en el diseño de vestuario de La cumbre escarlata. En las secuencias que tienen lugar en el parque, los hermanos Sharpe se compenetran en la tonalidad oscura del atuendo, opuesta a la gama cromática luminosa y vibrante de Edith.

Lucille Sharpe destaca por el color oscuro de su escultural traje, aludiendo a su imagen de polilla y a sus perversos propósitos. En el siglo XIX, época en la que se ambienta la película, el negro estaba reservado para vestir el luto, por lo que presumiblemente, en Lucille, esa tonalidad atiende al duelo de perder a su hermano, ahora enamorado de Edith. Una flor de color rojo, en el lado del corazón, destaca como una mancha de sangre.

El pintor francés, James Tissot — del que hemos hecho referencia a lo largo de este artículo — capturó con gran detalle la moda de la época a través de su obra impresionista. Algunos de sus retratos más recurrentes son damas vestidas enteramente de negro, con cuellos y puños de crepé blancos, y una flor prendida en el pecho. Estas pinturas podían haber ayudado a Kate Hawley a desarrollar el aspecto de Lucille Sharpe en La cumbre escarlata.

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Las obras “Mrs. Newton with a Parasol” (izda.) o “The Hammock” (centro), ambas realizadas en 1879 por Tissot, fuente de inspiración para el personaje de Lucille Sharpe (dcha.)

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Detalles reproducidos por James Jacques Tissot en en retrato “Summer” (izda.) llevados a la gran pantalla por Kate Hawley en “La cumbre escarlata” (dcha.)

Edith debe afrontar dos momentos adversos consecutivos: la partida de Thomas Sharpe hacia Inglaterra y la misteriosa muerte de su padre. En ambas situaciones luce uno de los diseños más románticos del filme, confeccionado con delicados pliegues. El vestido que rememora al que Gustav Klimt pintó en el retrato de Sonja Knips (1898), simboliza la fragilidad de Edith.

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La obra de Gustav Klimt, como el retrato de Sonja Knips (izda.), tomado como referencia para el diseño del vestuario de Edith Cushing (dcha.) en “La cumbre escarlata”.

A raíz de la muerte de su padre, Edith se traslada junto a Thomas a la mansión de Allerdale Hall (Inglaterra), donde les espera Lady Lucille. En la ruinosa edificación, mientras los hermanos Sharpe esperan recibir la herencia del difunto Carter Cushing, una serie de apariciones aterrorizan a Edith. 

A su llegada, el enamoramiento de Edith es realzado con flores adornando la capa de su abrigo. Las violetas son empleadas como símbolo de fertilidad, en contraste con la tierra árida en la que viven los Sharpe. Además del púrpura, la diseñadora incorpora el color azul en el vestuario de la joven— tonalidad propia los Sharpe —creando un vínculo con su nuevo marido.

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La violeta, considerada flor funeraria, honra la memoria de su madre fallecida. Derecha, flores fabricadas por el departamento de vestuario para el personaje de Edith Cushing.

El desolado paisaje de Cumberland (Inglaterra) es opuesto al esplendor de la ciudad de Búfalo del comienzo del filme; el código de colores utilizado de tonos fríos y hojas secas acentúan la estéril y decadente mansión de Allerdale Hall .

El ocaso también se manifiesta en el vestuario de los hermanos Sharpe, quienes visten ropas gastadas y antiguas, compartiendo paleta de color, un vínculo a su misterioso pasado. Una vez más, podemos observar cómo Kate Hawley toma referencias pictóricas en la creación de la imagen de los personajes: El caminante sobre el mar de nubes (1818), del alemán Caspar David Friedrich en Sir Thomas, y Young women with Japanese goods del pintor Tissot en Lady Lucille.

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Inspiración pictórica de la diseñadora para el vestuario de Sir Thomas y Lady Lucille Sharpe: “El caminante sobre el mar de nubes (1818) de Caspar David Friedrich y “Young women with Japanese goods” de Tissot.

La apariencia fría de Lucille en su hogar dista de la poderosa imagen que vimos en Búfalo. La hermana de Thomas vive prisionera en su propia casa, una atadura manifestada en su opresivo y pesado vestido de terciopelo azul que el departamento de vestuario confeccionó en seis semanas; el ajustado corsé acentúa la delgadez de Lucille, revelando la precaria vida de los Sharpe en su mansión.

La árida tierra de Allerdale Hall se representa en Lucille con un adorno en su vestido en forma de enredadera. La guirnalda de vid, compuesta de elementos como follaje, hojas secas y bellotas alargadas, similares a garras, la arraiga a la casa cual cordón umbilical. Un equipo de seis artesanos creó cada pieza a mano con una estimación de seis horas por hoja.

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El adorno del vestido de Lady Lucille, formado por hojas secas de vid y bellotas en forma de garra, fue realizado a mano por el departamento de vestuario de la película.

Tras las terroríficas apariciones, los Sharpe calman los nervios de Edith con tazas de infusión amarga. En una conversación, Thomas revela por qué se conoce a Allerdale Hall como la cumbre escarlata: la arcilla de color rojo se filtra hacia la superficie y tiñe la nieve en invierno. Entonces, la joven recuerda la advertencia de su madre siendo niña.

A medida que Edith habita en la casa, y su enamoramiento se acrecenta, sus trajes se transforman: la gama de color del personaje se torna verde, una tonalidad surgida de la fusión del amarillo (color inherente en Edith) y el azul (propio de los Sharpe); las mangas se vuelven más voluminosas; los patrones de flores se modifican, haciendo referencia a las hojas secas que caen del techo de la mansión de Allerdale Hall.

Durante las escenas en las que Edith transita por las estancias peligrosas de la casa, los tonos dorados que lucía en Búfalo cambian a un vibrante amarillo. Kate Hawley explicaba la elección de este llamativo color con el símil de un canario en una mina de carbón, una tonalidad que logra acrecentar la vulnerabilidad de la joven. El diseño del traje alberga además un recordatorio hacia la madre fallecida a través de un gran lazo de negro en la parte trasera.

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El vestuario de Edith se va transformando en diseño y color a medida que vive en la mansión de los Sharpe.

Edith, cada vez más débil, acompaña a su marido a la ciudad para recoger unas piezas de maquinaria. La pareja se hospeda en una habitación de la oficina de correos, donde pasan una noche apasionada.

En esta ocasión, podemos observar el lenguaje textil apoyando lo ocurrido: Edith viste el mismo abrigo que llevó en su llegada a la mansión de los Sharpe, pero con algunas variaciones: sin adornos florales, aludiendo a su pérdida de virginidad, y con un gran lazo de color azul-verdoso como vínculo hacia su marido.

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El abrigo “desflorado” de Edith alude a la pérdida de la inocencia de la joven. El cambio de color en el personaje la vincula a la familia Sharpe.

Otra pieza interesante en el vestuario de la protagonista, y favorita de Kate Hawley,  es el camisón de color blanco que luce en algunas secuencias, con el que se advierte cómo la joven va adquiriendo las cualidades góticas de la casa y su imagen de mariposa se va transformando en una crisálida, perdiendo los tonos vibrantes del comienzo.

El diseño de seda, realizado utilizando técnicas antiguas de plisado, realza los movimientos de Edith por los pasillos oscuros. El camisón del que se hicieron varias piezas encierra un lenguaje en sus mangas abulllonadas, que varían de tamaño para mostrar la fragilidad (cuando disminuyen) o fortaleza (mayor volumen) de la joven.

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La fragilidad de Edith se acrecenta con el camisón romántico, realizado a mano por el departamento de vestuario.

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El tejido liviano del camisón ayuda a que Edith fluya y revolotee, con voluminosas mangas a modo de alas, cual frágil mariposa.

Edith descubre unas grabaciones que revelan la trama de los hermanos Sharpe: envenenar a mujeres adineradas, con las que Thomas contraía matrimonio, con el fin de heredar la fortuna y financiar así sus proyectos para la mina. Además, la joven es testigo de la relación incestuosa que mantienen los hermanos.

Finalmente, Thomas ayuda a escapar a Edith; pero Lucille, celosa y enfurecida, asesina a su hermano. Tras una lucha en la nieve, la joven  termina con la vida de Lucille. Los fantasmas de los hermanos Sharpe son ahora quienes residen en la casa de Allerdale Hall.

En las últimas escenas, lo destacable es, sin duda, la estética de Lady Lucille: si, hasta ahora, la habíamos visto con trajes encorsetados que parecían simular una segunda piel y el pelo recogido, en el momento que Edith la descubre junto a Thomas, luce un camisón fluido y escotado de color blanco y el cabello suelto. Con esta transformación, Kate Hawley enfatiza el lado salvaje y sensual del personaje, una imagen que evoca a las obras Emiliana Concha de Ossas de Giovanni Boldini o Fazio’s Mistress de Dante Gabriel Rossetti.

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“Fazio’s Mistress” de Dante Gabriel Rossetti (izda.) como fuente de inspiración para Lady Lucille Sharpe en las escenas finales (centro y dcha.).

En La cumbre escarlata, apreciamos cómo se aúnan la visión imaginativa del director Guillermo del Toro y las creaciones de la diseñadora Kate Hawley, dando lugar a personajes con una identidad definida a través de un vestuario cargado de colorido y simbolismo.

Texto: Lola Delgado Pozo
Fotos: capturas pantalla de la película, pinterest
Bocetos: FIDM museum blog
Obras pictóricas: gustav-klimt.com, jamestissot.org, rossettiarchive.org, millais.org


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