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Diseño de vestuario de cine inspirado en la década de los años 30

El viento se levanta

Retales-Elvientoselevanta-cartelCuando inicié el blog, tuve claro que sería un lugar donde  tendrían cabida todos los géneros cinematográficos. Detrás de cada película hay un laborioso y extraordinario trabajo por parte del equipo de vestuario, se trate de un filme de época, terror, contemporáneo o de dibujos animados.

Los estudios de animación han proliferado en los últimos años, dando un impulso al género y creando verdaderas joyas. Además del cine occidental, el anime, de origen japonés, ha ido ganando notoriedad gracias a productoras como Studio Ghibli, considerada una de las mejores del mundo.

Como ya conté en la entrada del blog sobre Frozen, en una película animada también es relevante el vestuario para dar credibilidad a la historia que se narra y son los artistas del departamento de arte los encargados de determinar el estilo, color y detalles de los personajes y su indumentaria.

Escrita y dirigida por Hayao Miyazaki, El viento se levanta (2013) es una película de animación, basada en una novela de Tatsuo Hori, que narra la historia de Jiro Horikoshi, un niño que sueña con pilotar un avión que vuele como el viento. Ante la imposibilidad de cumplir su deseo, debido a la miopía que padece, Jiro decide dedicarse a construir aviones. Tras finalizar sus estudios universitarios de ingeniería, es contratado por una empresa japonesa para ocuparse del diseño del avión de combate perfecto. Al amor por los aviones hay que sumar el que el joven siente hacia Naoko, que terminará convirtiéndose en su esposa.

El viento se levanta comienza en el año 1918 con un sueño del joven Jiro. El personaje está basado en el famoso ingeniero japonés Jiro Horikoshi, diseñador de Zero, el avión de combate más potente de la armada japonesa en la Segunda Guerra Mundial. En las primeras secuencias, Jiro aparece ataviado con un kimono corto y un pantalón holgado de color azul petróleo, un atuendo oriental que contrasta con la gorra de plato, gafas de aviador y zapatos occidentales. Al despertar, se observa que el joven luce un pijama en el que la chaqueta del kimono tiene un estampado diferente, una forma de distinguir el sueño de la vigilia.

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Primer plano de Jiro, personaje de “El viento se levanta”, inspirado en Jiro Hirikoshi, ingeniero japonés, célebre por sus diseños de aeronaves en la Segunda Guerra Mundial.

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En la imagen, Jiro con el tradicional pantalón japonés masculino llamado “hakama”. Se distinguen los zapatos y calcetines de estilo occidental.

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Detalle del estampado geométrico del pijama del protagonista de “El viento se levanta”.

Ambientada en el Japón de los años 20 y 30, Hayao Miyazaki nos muestra cómo eran los ropajes orientales en un período de crecimiento y optimismo en el país asiático. En El viento se levanta se diferencia al género masculino y femenino por los colores empleados: tonos rosados para las féminas y azulones o grises para los varones.

El período que comprende la película de Miyazaki es conocido como Taishō, una etapa en la que el kimono tradicional aún prevalecía a la influencia de la vestimenta occidental; los estampados tradicionales de grullas o flores se combinaron con otros de patrones abstractos o Art Nouveau en colores intensos. Muchos de los diseños elegidos en El viento se levanta aluden al aire, como el estampado de la chaqueta de Jiro que evoca la sombra de un avión o las aspas de una hélice, y las figuras de abanicos en uno de los kimonos que luce la madre del pequeño.

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La vestimenta diaria de Jiro coincide con la de sus sueños. En la imagen, el joven dirigiéndose al colegio, calzando un par de geta, sandalias de madera tradicionales en Japón.

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Los colores rosas y rojizos predominan en la vestimenta de las mujeres, mientras que los azules grisáceos lo hacen en la de los hombres. A la izquierda, escena de Jiro en el colegio. A la derecha, imagen de Kayo Horikoshi, hermana de Jiro, luciendo un kimono rosa frambuesa, color usual en la etapa Taishō.

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“El viento se levanta” comienza en el período Taishō, en el que la variedad de patrones en los kimonos se incrementó. En la imagen, escena donde la ropa tiene figuras de abanicos que evocan al aire, reflejando las emociones del protagonista.

Durante el segundo sueño de Jiro aparece la figura de Gianni Caproni, famoso ingeniero aeronáutico italiano, creador de bombarderos en la Primera Guerra Mundial, personaje que comparte la misma ilusión del muchacho. Caproni, que obstentó el título de Conde de Taliedo, es presentado en la película como un aristócrata, con un atuendo formal compuesto de un traje de chaqueta oscuro y un bombín, sombrero popular a principios del siglo XX y en la década de 1920.

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Caproni aparece en la imaginación de Jiro. En el atuendo formal del ingeniero italiano destaca el bombín, denominado Bombetta en Italia. A lo largo de la película se puede observar cómo las pequeñas piezas identifican los períodos en los que se desarrolla “El viento se levanta”.

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A la izquierda, fotografía de “Gianni” Caproni en 1918. A la derecha, personaje de “El viento se levanta” con traje, corbata azul y pañuelo rosa a juego con la cinta del bombín.

El vestuario ayuda a identificar los cambios de época a lo largo de El viento se levanta. En el momento en que Jiro emprende su viaje a la universidad, en el año 1923, comprobamos que se ha convertido en un joven adulto, variando su estilo con ropa de influencia occidental y manteniendo los colores azules del inicio. Su atuendo, compuesto por chaqueta de botonadura frontal y cuello mao, pantalón blanco y sombrero canotier, ayuda a identificar el período en el que se desarrolla esta parte de la película.

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Escena donde aparece Jiro con una vestimenta más occidental. El canotier que cubre su cabeza fue un accesorio habitual en la moda occidental masculina de la década de 1920.

El elemento del viento está presente incluso en situaciones significativas de la vida de Jiro. En el vagón del tren, con rumbo hacia la capital, Tokio, la brisa es la responsable del encuentro entre el joven y la niña Naoko. Al igual que Jiro, la chica viste ropa occidental y, nuevamente, los accesorios en el vestuario son clave para distinguir el período en el que se desarrolla la trama: sombrero cloché y zapatos con trabilla. Los colores claros en el vestuario de Naoko simbolizan la pureza e inocencia de la niña. Pero, a su vez, el color blanco en Japón representa a la muerte, resultando un presagio de lo que sucederá.

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A diferencia de Jiro, Naoko viste con colores claros, representando la inocencia e ingenuidad del personaje. El modelo Cloché de sombrero que luce  fue creado por la diseñadora parisina Caroline Reboux en la década de 1920.

En ese instante, se produce el gran terremoto de Kanto (1923). Jiro ayuda a Naoko y a su nodriza a salir del convoy con el fin de localizar a su familia. Tras el encuentro de la niña con sus familiares, Jiro parte hacia la universidad sin poder despedirse de Naoko.

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En la primera imagen, fotografía del terremoto de Kanto, ocurrido en septiembre de 1923. En segundo lugar, secuencia de “El viento se levanta” emulando este suceso. En ambas se aprecia la mezcolanza de prendas orientales y europeas.

En la universidad de Tokio, Jiro y sus compañeros visten un uniforme de estilo militar de color gris oscuro de dos piezas denominado gakuran; la chaqueta con cuello alto mao y botonadura delantera, pantalones largos y gorra.

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Jiro y sus compañeros de facultad con uniformes denominados “gakuran”, que preservan el estilo tradicional japonés.

En 1927, tras terminar sus estudios, Jiro y su compañero Honjo se incorporan al proyecto Halcón del fabricante de aviones Mitsubishi. Es la época de la Gran Depresión y los protagonistas han cambiado su estilo, fiel a los últimos años de la década de 1920 y comienzos de los años 30. Aparecen ataviados con trajes y sombrero; estos últimos, por su similitud, podrían ser modelos Homburg o Fedora. El vestuario de Jiro se torna a un color púrpura claro o lavanda -un tono entre el azul y violeta-, asociado a la ambición y la decadencia, lo que confiere un matiz romántico al personaje.

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En su primer empleo los jóvenes lucen atuendo completamente occidental, formado por traje, chaleco, camisa, corbata y sombrero. Los colores diferencian a los personajes.

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En la animación también suceden escenas singulares o de acción. En la imagen, secuencia con lluvia en la que la ropa se muestra mojada; el detalle del nudo suelto de la corbata expresa el desaliento del momento tras una prueba fallida del proyecto “Halcón”.

Tras la cancelación del proyecto Halcón, en 1929 se desplazan a Alemania para una investigación técnica en la empresa aeronáutica Junkers. El cambio de ambientación se muestra con un vestuario de abrigo; los personajes lucen overcoats, bufandas y guantes. Miyazaki y su equipo dotan a los personajes de un aspecto más informal en las escenas que tienen lugar fuera de la oficina, con prendas de punto muy populares en los años 30.

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Jiro y Honjo, a su llegada a la empresa alemana. Por su forma y extensión, es probable que el abrigo que lucen sea un modelo “Chesterfield” con una fila de botones cubierta, o un “Load” tirolés, de lana gruesa resistente.

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Los dos amigos adoptan un vestuario más “sport” fuera de la oficina, con prendas de punto. Cada personaje mantiene la tonalidad asignada por el equipo de Miyazaki: azul para Jiro y rojizos para Honjo. A la izquierda, Jiro con jersey de de pico y a la derecha, Honjo con suéter de pico sin mangas.

La estancia en el país germano es corta y regresan a Japón por mandato de la empresa. En el viaje de trayecto, Jiro de nuevo comparte sueño con Caproni. El ingeniero italiano continúa vestido con traje, modificando el color del chaleco, el pañuelo y la corbata. No aparecer con el mismo atuendo dota de mayor realismo a la escena soñada.

Tras cinco años en la empresa, Jiro es nombrado jefe de diseño del avión de combate Mitsubishi 1MF10. Después de una primera prueba fallida, la aeronave consigue volar. Para reflejar el cambio de etapa, el joven ha cambiado de vestimenta, empleando un traje de color más claro, sin chaleco y un gorro estilo pescador llamado bucket hat o sombrero de cubo.

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Jiro con un traje de color más nítido pero siempre con tonos saturados. El “look” se completa con un gorro de tipo pescador llamado “bucket hat”, originario de Irlanda.

Durante unas vacaciones en Karuizawa, de nuevo cuando el viento se levanta, se produce un encuentro con Naoko, que se ha convertido en toda una mujer. Para su estancia vacacional Jiro luce un atuendo más cómodo y deportivo, en color beige y blanco. A finales de los años 20 y principios de los 30, la ropa deportiva se empleaba, además de en las actividades al aire libre, para el ocio y los viajes, reservando el traje blanco para hacer turismo.

Naoko mantiene los colores claros de su infancia, pero en un tono más amarillento, reflejando el estado de felicidad de la joven. Un sombrero de paja con adorno de flor, popular en la década de 1930, delimitan el período en el que acontece la acción. El plano contrapicado donde aparece Naoko dibujando, mientras la suave brisa mueve su falda, trae a la memoria el cuadro Mujer con sombrilla del francés Monet.

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A la izquierda, pintura “Mujer con sombrilla” de Claude Monet (1886). A la derecha, secuencia de “El viento se levanta”, con Naoko pintando un lienzo con una sombrilla, evocando al cuadro del pintor francés.

Naoko cae enferma y Jiro fabrica un avión de papel para que llegue a la habitación de la chica. Ella luce un kimono con un estampado en forma de pájaros o gaviotas, un modo de unión entre ambos personajes, y una chaqueta llamada Haori de color rosa sobre la túnica. En el momento en que se encuentra más recuperada sus vestidos cambian a un color más fuerte, rosado oscuro, reflejando el carácter animado y divertido del personaje, sin olvidar la connotación amorosa que posee el tono rojizo.

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A la izquierda, fotografía del ingeniero Jiro Horikoshi, en el que se inspira el protagonista de “El viento se levanta”. A la derecha, Jiro fabricando un avión de papel.

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Los motivos de la naturaleza eran populares en las prendas femeninas de Japón. En la imagen, detalle del estampado con figuras de aves en el kimono de Naoko. El color de su ropa se torna más llamativa en el momento en que se recupera y comienza a enamorarse de Jiro.

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A la izquierda, fotografía de Yano Ayako, novia de Tatsuo Hori, escritor de la novela “El viento se levanta”, fallecida de tuberculosis. En ella se inspira el personaje de Naoko. Podemos ver la semejanza en el vestuario.

La pareja se compromete y Naoko le confiesa que tiene tuberculosis. La joven decide que se casarán cuando ella se recupere en un sanatorio. Jiro, por su parte sigue trabajando en el prototipo del avión Mitsubishi A5M y se esconde de la policía secreta en casa de su jefe. De nuevo, Miyazaki y su equipo vinculan los acontecimientos de la película con la ropa de los personajes. En este caso, el estampado de la bata de Jiro se asemeja al prototipo de brida que recibe el joven para su proyecto.

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A la izquierda, prototipo de brida del proyecto de Jiro. A la derecha, estampado del kimono que evoca a los extremos de este elemento.

Tras recibir una llamada sobre el empeoramiento del estao de salud de su novia, Jiro viaja para verla. La joven opta por dejar el sanatorio alpino donde reside y ambos deciden irse a vivir juntos y contraer matrimonio. El vestuario de Naoko combina los tonos azules y rosados oscuros, asemejándose al estilo de la década de 1940.

El día del enlace, Naoko porta un kimono blanco con motivos circulares rosas, creando una sensación de movimiento, un obi rosa oscuro y un haori del mismo color con estampado floral. El regreso a los colores vivos revelan el momento de felicidad de la joven.

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En las bodas tradicionales japonesas la mujer luce un kimono de color blanco. En la imagen, Jiro y Naoko el día de su enlace.

La joven, sintiendo que su enfermedad es incurable, regresa al sanatorio mientras su marido realiza la prueba del avión prototipo. Una ráfaga de viento le revela que Naoko ha muerto.

Las escenas finales transcurren diez años después, en 1945, durante la Segunda Guerra Mundial, y Jiro se encuentra de nuevo con Caproni. El joven se muestra apesadumbrado y afligido, lo que se refleja en la ropa arrugada y de un color más apagado que al inicio. Naoko se le aparece en el sueño y le anima a seguir viviendo; Caproni comenta que “es hermosa como el viento”.

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Durante la Segunda Guerra Mundial, Jiro se encuentra triste por los ataques aéreos que ha sufrido Japón en la contienda. Su ropa aparece arrugada y suelta, reflejando la desgana del personaje.

En El viento se levanta, Hayao Miyazaki demuestra cómo el trazo del lápiz tradicional no está reñido con el esplendor y el atractivo en una película de animación, y cómo los pequeños detalles marcan la diferencia, aportando la relevancia necesaria para la narración de la historia.

Texto:Lola Delgado Pozo
Imágenes: fotogramas de El viento se levanta.
Fotografías: ghibli.jpn.org, generacionghibli.blogspot.com.es, cpacscience.wikispaces.com


https://retalesdeunidilio.wordpress.com/2015/06/18/el-viento-se-levanta/

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El gran hotel Budapest

cartelViajar y hospedarme en un hotel es imaginar las numerosas historias que habrán tenido lugar allí y los secretos que esconderán sus paredes. Mi mente fisgonea y encuentra todo tipo de películas donde los protagonistas se han alojado en los más variopintos moteles y donde puede ocurrir de todo: Psicosis (1960), El resplandor (1980), Pretty woman (1990), Four rooms (1995), Habitación 1408 (2007), etc.

En El gran hotel Budapest (2014), el director Wes Anderson, narra de forma elegante una rocambolesca trama llena de persecuciones, asesinatos y amor con un humor surrealista en un hotel de lujo.

Wes Anderson no buscaba la precisión histórica en la película, pero ideó diferenciar los tres períodos que se representan en El gran hotel Budapest a través del color para ubicar al espectador. De esta forma, la diseñadora Milena Canonero (La naranja mecánica, El resplandor, Memorias de África) tuvo libertad para crear un sofisticado y colorido vestuario que define a los personajes, con detalles que remiten a Austria y Alemania. Los pintores Kees van Dongen, George Grosz o Tamara de Lempicka y fotógrafos como Man Ray o George Hurrell, fueron fuente de inspiración para Canonero.

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El color es empleado para crear y definir el ambiente y el vestuario de cada período. El esplendor del Gran hotel Budapest se representa por el rojo, rosa y púrpura y la decadencia del mismo con tonos naranjas y ocres.

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La idea inicial del color púrpura de los uniformes del personal del hotel fue del director Wes Anderson y la diseñadora Milena Canonero.

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Artistas de la época sirvieron de referencia para diseñar el vestuario de la película. A la izquierda “The pink shirt”, pintura de estilo Art Decó de Tamara de Lempicka y a la derecha, imagen de Agatha en “El gran hotel Budapest”.

La película comienza en el presente con una chica que lleva en las manos un libro de memorias y a continuación, viajamos al año 1985, donde el autor del libro “El gran hotel Budapest” narra cómo se fraguó la novela. Milena Canonero empleó tonos pardos para ubicar al personaje en la primera mitad de los años 80, donde se aprecia la reminiscencia de la década de los 70. La narración nos transporta a 1968, con el encuentro entre el joven escritor y Mr. Moustafa, dueño del ahora ruinoso hotel Gran Budapest. En estas escenas destaca el atuendo informal del narrador, con una chaqueta clásica Nortfolk en tejido de tweed de grandes bolsillos con solapas y cinturón y pantalones de talle alto.

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Tonos tierra, amplias solapas y tejido de tweed encuadran al autor y narrador del comienzo de la película, en la década de los 80. El niño que aparece a su lado difiere con una chaqueta gris y negra de cuello mao.

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Los tonos terrosos del vestuario combinan con la gama anaranjada y ocre del hotel “Gran Budapest” en el año 1963.

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Observamos que el joven narrador porta la misma chaqueta del comienzo, variando la camisa y la corbata a colores más rosados. El nivel de detalle de Milena Canonero es apreciable en los botones de madera de la chaqueta Nortfolk.

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El actor Jude Law, que interpreta al joven escritor, en un momento del rodaje junto al director Wes Anderson. En la imagen se aprecian los pantalones de tweed a juego con la chaqueta y los botines marrones.

Mr. Moustafa invita a cenar al joven escritor y le cuenta cómo llegó a ser director del que fuera el más famoso y lujoso hotel- balneario europeo en los años 20 y 30. El carácter modesto del personaje se aprecia en su vestimenta sencilla, que aún mantiene los tonos del uniforme que lucía cuando era el joven Zero Moustafa: chaqueta de tercipelo morada, jersey rojo de cuello alto y pantalones marrones de pana.

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Milena Canonero emplea prendas simples para un personaje austero.

La historia de Mr. Moustafa nos transporta a sus inicios como botones en 1932, junto a Monsieur Gustav M., un distinguido y extravagante conserje que mantiene una estrecha relación con las señoras de la alta sociedad que se hospedan en el hotel- balneario.

Milena Canonero se inspiró en bocetos del sastre italiano Umberto Tirelli para crear los uniformes de los empleados del Gran Budapest, fieles a la época de 1930. El color púrpura de los trajes surgió de una antigua sotana que la diseñadora conserva en su casa. El tejido lo encontró en la tienda Hainsworth de Londres, sirviendo de muestra para que la empresa alemana Mehler los tiñera de color morado. Posteriormente, los uniformes se confeccionaron en su taller de Görlitz (Alemania). Los detalles muestran la exquisitez del diseño: pajarita de color rojo a juego con el ribete de la chaqueta de frac y la raya del pantalón, minúsculos botones en la camisa blanca o la insignia de las llaves en la solapa.

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El color morado que Milena Canonero eligió para los uniformes guardan armonía con los tonos rojos y rosados de “El gran hotel Budapest”.

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Milena Canonero se inspiró en Umberto Tirelli para crear los uniformes de doble botonadura dorada de “El gran hotel Budapest”.

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A la izquierda, boceto del uniforme del conserje M. Gustave H. compuesto por chaqueta de frac morada, pantalón de color gris y camisa blanca. A la derecha, el actor Ralph Fiennes en un momento del rodaje.

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El color púrpura de los uniformes de los empleados del hotel tiene un equilibrio con el intenso rojo de las paredes del hotel.

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Monsieur Gustave H. luce la insignia de la Sociedad de las Llaves Cruzadas en la solapa de la chaqueta, símbolo de la jerarquía de su puesto como conserje del  hotel “Gran Budapest”.

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Una imagen de los conserjes de la Sociedad de las llaves cruzadas, que también visten uniformes coloridos como el naranja, rojo, verde o azul. El símbolo de la llave cruzada en la solapa, los botones, pajaritas y el turbante a juego con el color del uniforme muestran el nivel de detalle que ha empleado Milena Canonero en el diseño del vestuario.

El diseño del uniforme de Zero Moustafa muestra la jerarquía del escalafón de trabajadores del hotel Gran Budapest. Su traje de “botones” está compuesto por una chaqueta corta de cuello mao, pantalones púrpura y botonadura central del mismo color. Como aprendiz y protegido de Monsieur Gustave, lleva un sencillo gorro con la inscripción “Lobby Boy” que lo identifica y lo distingue del resto de empleados, que portan un sombrero con las siglas “GB” en color dorado.

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A la izquierda, boceto del diseño del uniforme del joven Zero. A la derecha, imagen del set del rodaje donde aparece el protegido de Gustave.

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Detalle del gorro de Zero Moustafa con la inscripción de color dorado: “Lobby Boy”.

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Otra evidente de distinción entre los uniformes de “El gran hotel Budapest” es el calzado: Gustave H. porta unos elegantes e impolutos zapatos negros y Zero Moustafa, unas polainas de color rojo, muy comunes en los años 20.

Como decía antes, M. Gustave H. se preocupaba de que la clientela del hotel estuviera bien atendida en todos los aspectos, sobre todo la femenina…Una de sus mejores huéspedes era Madame D., una coleccionista de la Alta Sociedad de 90 años cuyo vestuario excéntrico denota el anhelo por el pasado y por la juventud. Milena Canonero imaginó al personaje como a Peggy Guggenheim y se inspiró en el pintor Gustave Klimt para crear los patrones del vestido y del abrigo de Madame D., con una clara influencia de la silueta de los años 20. La firma italiana Fendi, especializada en cuero y piel, se encargó de crear la capa de tercipelo de seda y visón negro del personaje femenino.

La ostentación de la anciana no sólo se plasma en las prendas que viste, sino en todo lo que la rodea, como el equipaje de maletas y baúles creados por Prada. El director de la película buscaba maletas de estilo vintage que sólo encontraba en museos y encargó a la firma italiana 21 piezas de piel, forradas con satén de color melocotón y con las iniciales de Madame D.

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A la izquierda, boceto de la capa de terciopelo rojo, pintada a mano, con cuello, puños y cola de piel que luce Madame D. creada por Fendi. A la derecha, el atuendo en una exposición.

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Imagen de un momento del rodaje donde se aprecia el detalle de los guantes rojos de Madame M.

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En el estampado del vestido dorado de Madame D. se muestra claramente la influencia de Gustav Klimt.

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El equipaje de Madame D. fue diseñado expresamente por Prada para la película. La colección lo forman 21 piezas de piel y latón, forradas con seda y que fueron custodiadas por un equipo de seguridad durante el rodaje.

Cuando Madame D. muere, su amante, Monsieur Gustav M., hereda la valiosa pintura “Muchacho con manzana”, pero la familia de la coleccionista se opone. En ese momento, Gustav trama el robo del cuadro junto con Zero y los hijos de la anciana lo acusan del asesinato de su madre. Se sucede un complot entre el hijo de Madame D. y su matón que termina con el conserje y el joven botones en la cárcel. Los dos presos logran huir y, con la ayuda de Ágatha, la novia de Zero, y la sociedad secreta de conserjes, recuperan el cuadro. En un segundo testamento se descubre que Gustave se convierte en único propietario, incluyendo el Gran hotel Budapest.

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En la imagen, las hijas de Madame D. con abrigos de cuellos de piel y guantes de color negro, un vestuario oscuro que se contrapone a los vistosos vestidos de su madre.

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Dmitri Desgoffe-und-Taxis, hijo de Madame D., al igual que sus hermanas, luce un vestuario oscuro. De esta forma Milena Canonero refuerza el significado del sol en el color dorado de la anciana y la oscuridad en las ropas de color negro de la familia.

J.G. Jopling, que actúa de asesino a sueldo, es otro de los personajes al que Milena Canonero dotó de un vestuario oscuro y sombrío, definiendo su carácter. La diseñadora ideó un abrigo largo de cuero negro que Prada creó para la película.

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A la izquierda, boceto de Milena Canonero. A la derecha, escena donde aparece Joplin. A pesar de tener escaso diálogo en la película, Canonero logra, a través del vestuario, que el personaje se vea temible y perverso.

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El director Wes Anderson pidió que el abrigo tuviera un bolsillo especial para que Joplin pudiera guardar las armas.

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El atuendo de matón de Joplin lo completan una serie de anillos de calaveras que porta en cada uno de los dedos de sus manos, diseñados por el joyero y actor Waris Ahluwalia.

Gran parte de la película está ambientada en un período de entreguerras, y la diseñadora de vestuario, inspirada en varias fuentes militares, le dio el color negro y  gris a los uniformes del ejército, evitando el típico verde militar. Para el personaje de Henckels, contó con la colaboración de Fendi, que creó un abrigo gris de astracán. Las insignias que aparecen en la película fueron diseñadas por Wes Anderson. Una de ellas es la cabeza de lobo que el inspector Henckels porta en el cuello del uniforme.

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Wes Anderson no quería exactitud histórica en el diseño de vestuario; por ese motivo, el gris y el negro son los colores en los trajes de los soldados de Zubrowka, el país ficticio de “El gran hotel Budapest”.

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Boceto e imagen del uniforme y abrigo del Inspector Henckels, diseñado por Milena Canonero. Todo cuidado el detalle, como las botas bicolor.

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Según Milena Canonero, los hombres que tenían una buena posición en esa época solían vestir pieles y, por ese motivo, diseñó un abrigo de piel para el personaje que interpreta Edward Norton.

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Detalle de la parte trasera del abrigo creado por la firma italiana Fendi.

Además de los colores tenues y apagados de los soldados, las prendas que emplean Gustave M. y Zero en la cárcel y en su huida son de tonos descoloridas. Esta característica distingue el lujo que se vive dentro del hotel con el estado real del país en guerra.

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M. Gustave H y Zero Moustafa, fieles al estilo de los campesinos de la época. Tejidos como el algodón o o la pana acrecentan la situación precaria en la que se encuentran.

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Gustav, con el uniforme clásico de prisión de rayas horizontales grises.

Milena Canonero pensó en tonos pastel para el personaje de Ágatha, en armonía con el rosa y azul claro de la pastelería donde trabaja. La joven luce un abrigo de color beige y un vestido de color azul grisáceo, con ribete y lazo rosas. Canoneno consigue el toque sencillo y humilde del personaje con un jersey debajo de las mangas cortas, para resguardarse del frío, al que Wes Anderson añadió una hoja de trigo en su pelo.

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La joven aprendiz de la pastelería “Mendl´s” , es la que porta el vestuario más sencillo, de colores suaves.

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Escena donde se aprecia el colgante con la insignia de la Sociedad de las Llaves Cruzadas, realizado artesenalmente por Heidemarie Klinger. El detalle de la hoja de trigo en su cabello fue idea de Wes Anderson.

Milena Canonero logra un vestuario minucioso en un marco lleno de colorido como es el hotel Gran Budapest y que le ha valido el premio Oscar al mejor diseño de vestuario de 2015.

Texto: Lola Delgado Pozo
Fotos: elgranhotelbudapest.es, Sensacine, Vanity Fair, The New York Times.


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