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vestuario de ficción: cómics, cuentos,…

Brightburn

Retales_Brightburn-1[Este artículo contiene spoilers]

Un crujido en el silencio de la noche, sombras en la oscuridad, objetos cobrando vida,… El cine de terror se constituye de ciertos elementos comunes en la trama, ambientación o personajes para lograr atemorizar al espectador.

Los personajes de este género también suelen ser arquetipos con rasgos y estilos similares: asesinos en serie, niños malvados o muñecos terroríficos. Quizá el distintivo de estos sujetos sea su vestuario, convertiéndose en ocasiones en atuendos icónicos tras su éxito en la gran pantalla, como el caso de Freddy Krueger (Pesadilla en el Elm Street), Michael Myers (Halloween) o Jason Voorhees (Viernes 13).

En este blog he publicado varias entradas acerca del vestuario de películas de miedo como The Conjuring o Verónica y he colaborado con la revista Moon Magazine dedicando artículos a las célebres El Resplandor o Drácula de Bram Stoker. Todas estas cintas mantienen un denominador común: el uso del color como recurso para reforzar la narración de la trama y avivar el horror.

Brightburn (El hijo. 2019) ha querido sorprender a los aficionados del cine de terror incorporando la figura de un superhéroe en un entorno siniestro. El título da nombre a una pequeña ciudad de Kansas, donde reside un matrimonio con su hijo Brandon. La vida de la familia transcurre con normalidad hasta que el joven cumple doce años, cuando comienza a mostrar una conducta preocupante.

Para el director, David Yarovesky, el aspecto visual de Brightburn era primordial, y el disfraz del protagonista, el núcleo a partir del cual trabajaría el equipo técnico de la película. Aunque el concepto inicial de Brandon fue ideado por los hermanos Gunn, la diseñadora Autumn Steed estuvo detrás del espeluznante disfraz del villano. Steed estableció también un esquema recurrente de tonalidades en el vestuario— azul, amarillo y rojo — para describir la historia.

El cartel oficial de Brightburn advierte la figura de Brandon como un antihéroe. Una capa roja lo asemeja al mítico personaje de cómics, Superman, y en imágenes que se suceden a lo largo de la cinta, evoluciona a un híbrido de Michael Myers en Halloween y Spiderman. El director partió de la idea de crear una figura de terror icónico como Freddy Krueger o Leatherface— villanos de Pesadilla en Elm Street y The Texas Chainsaw Massacre, respectivamente — e inquietante para el espectador.

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El protagonista de “Brightburn“, Brandon (izda.), es un personaje terrorífico con rasgos similares a otras figuras míticas como Michael Myers (centro) o el superhéroe Spiderman (dcha.)

Tori y Kyle Breyer disfrutan de una vida en apariencia feliz en una granja situada a las afueras de la pequeña ciudad de Brightburn (Kansas); sin embargo, esa dicha no sería completa a no ser que pudieran concebir un hijo. Una noche, su plan de ser padres se ve interrumpido por un objeto que cae bruscamente en el bosque. Posteriormente, unas imágenes rodadas con vídeo doméstico advierten las diferentes etapas de vida del nuevo hijo del matrimonio.

En las imágenes iniciales, se aprecia un vestuario predominantemente azul —tonos oscuros para Kyle y celestes para Tori —y lo que puede pasar inadvertido, como el patrón de líneas rojas del camisón, se presenta como una señal de conexión con las escenas venideras. El colofón para estas secuencias preliminares es un vibrante color rojo en el atuendo del retoño de los Breyer, presagio de una amenaza para la familia.

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El estampado de líneas de Tori la relaciona con su futuro hijo, cuya seña de identidad será un patrón de rayas a lo largo del filme.

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Las últimas imágenes de la cámara doméstica muestran al hijo de los Breyer con una camiseta de color rojo, un tono utilizado como vaticinio de peligro.

Tras este preámbulo, la historia se sitúa en la misma granja diez años después. La atmósfera clásica americana, explotada en multitud de películas, es rota por la estética grunge de Tori. A través de este personaje, la diseñadora Autumn Steed aporta un soplo de aire fresco al entorno agrícola, combinando prendas en tejidos de punto o vaquero con otras punk, como camisetas o cazadoras de cuero.

Brandon, el hijo de los Breyer, se oculta en el granero jugando al escondite. Cuando Tori lo encuentra descubrimos que se trata de un lugar prohibido por sus padres. Aunque no se especifica el motivo, la bata con estampado de naves espaciales que viste el chico aporta una pequeña pista al espectador. El vínculo maternal es reforzado a través de los tonos celestes coincidentes en la ropa de madre e hijo.

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La diseñadora ideó una estética actual para el personaje de Tori Breyer (Elizabeth Banks).

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La bata acolchada con estampado de cohetes como indicio del origen de Brandon.

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Los tonos celestes en los personajes intensifican el vínculo entre madre e hijo.

A continuación conocemos que Brandon fue adoptado por los Breyer. El niño se ha convertido en un adolescente inteligente y peculiar. Esta singularidad también es perceptible en su ropa, con motivos líneales en los tejidos — similar al de su madre al comienzo de la película— , distinguiéndolo de los compañeros de clase.

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Los colores y patrones de la ropa es un mecanismo diferenciador para el personaje de Brandon.

A la edad de 12 años, Brandon comienza a experimentar habilidades extraordinarias y un comportamiento impulsivo que sus padres atribuyen a la etapa adolescente.

Para recrear la escena del cumpleaños — clave en la película— la diseñadora escoge una paleta apagada en la ropa de los padres y tíos, destacando así a Brandon con colores saturados como el azul, amarillo y rojo, un guiño también a las tonalidades del icónico traje de Superman. Si hasta el momento el azul-celeste era el distintivo en Tori y Kyle, los tonos oscuros utilizados en el atuendo del matrimonio revelan el giro inesperado en la idílica vida de la familia.

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En la escena del cumpleaños, Brandon es el punto focal. La diseñadora emplea colores vibrantes en la ropa del niño con el fin de destacar su figura sobre los demás personajes.

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El color oscuro en el vestuario del matrimonio Breyer establece el punto de inflexión en la trama.

Los padres perciben una actitud cada vez más inquietante en Brandon. Si bien Kyle está convencido de que su hijo es el responsable de unos extraños sucesos en la granja, Tori cree en la inocencia del niño. Los primeros episodios violentos suceden en torno a Caitlyn, una compañera de colegio: lo que comienza con un acoso en la habitación de la chica, termina con una fractura grave en la clase de gimnasia.

Si hasta el momento, el azul — asociado al espacio terrenal— era la seña de identidad en el vestuario del protagonista, Autumn Steed añade color rojo a medida que la crueldad del personaje se intensifica. La diseñadora emplea detalles sugerentes, como una sudadera con capucha carmesí y zapatillas (con cordones) del mismo tono durante las escenas en las que Brandon dibuja en su cuaderno, vestigio del futuro traje del niño.

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En la imagen, Brandon tras acosar a su compañera Caitlyn. El personaje continúa con el color azul en la ropa, al que se le añade el rojo oscuro asociado a la maldad.

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Piezas respresentativas, como la capucha y el calzado deportivo rojos, aluden a la futura máscara de Brandon.

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En el momento que Brandon carga su ira contra Caitlyn, rompiéndole la mano, Brandon aparece en escena con una sudadera completamente roja, intensificando su crueldad.

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A medida que Brandon aumenta su ensañamiento, hay una progresión hacia el color rojo en su ropa.

En las sucesivas secuencias, el misterio del granero es desvelado: el aparato caído hace años en el bosque portaba en el interior a un bebé que los Breyer decidieron adoptar. El reproche de Brandon a sus padres por ocultar su verdadero origen, unido a una luz roja procedente de la nave que lo atrae, hacen aumentar sus estímulos más homicidas.

En esta etapa, Autumn Steed realiza un guiño al mítico personaje de terror Freddy Krueger. La diseñadora representa el paso de lo terrícola a lo extraterrestre en Brandon empleando líneas más gruesas en el vestuario, donde el color azul encarna lo terrenal y el rojo lo alienígena.

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En una de las secuencias, el atuendo de Brandon (dcha.) evoca al ya mítico “uniforme” de Freddy Krueger en “Pesadilla en Elm Street” (izda.)

Brandon toma posesión de sus poderes sobrenaturales, adaptando la pauta aleccionada por la nave de “dominar el mundo” a un contexto dañino, poniendo en peligro a todos los que se encuentran a su alrededor.

Cuando se cobra su primera víctima mortal, el chico aparece con una capa de color rojo y ocultando su rostro bajo una máscara del mismo tejido. La diseñadora combinó la apariencia espeluznante de personajes de cintas clásicas, como Terror al anochecer (1976) o Viernes 13. Parte 2 (1981), con la de superhéroes como Supermán o Spiderman, añadiendo una capa y un patrón similar al de una red de araña en la máscara.

Hasta llegar al resultado final, el proceso de realización de la máscara duró varios meses. Autumn Steed experimentó con unos 120 diseños antes de decantarse por la que Brandon porta en las escenas más espeluztantes. La pieza, de apariencia simple, simula ser confeccionada por el niño con los materiales que tiene a su alcance en la granja: la manta con la que duerme y los cordones de su calzado deportivo.

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El eje central de la apariencia del antihéroe creado por la Steed fusiona elementos de trajes de superhéroes con el de icónicas figuras del cine clásico de terror.

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Icónicos personajes de terror como El fantasma (izda.) o Jason Voorhees (centro) inspiraron la máscara de Brandon en “Brigtburn” (dcha.).

La destrucción de Brandon incluye su familia, a la que comienza a torturar. Kyle tiene la certeza de que Brandon es el responsable de los macabros e inquietantes sucesos acontecidos en la pequeña ciudad de Brightburn, todo lo contrario que Tori que, pese a las señales evidentes, está cegada por su instinto maternal apostando por la inocencia de su hijo.

Si el tono rojo se había asignado para representar la malicia del protagonista, Streed escoge la gama rosácea para potenciar las situaciones de peligro en las víctimas del perverso niño.  En Tori, el color rosa expresa la confrontación con su marido — de azul —además de equivaler al amparo hacia su primogénito.

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El rosa es empleado en los personajes secundarios como signo de advertencia a las acciones agresivas de Brandon.

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Steed emplea tonos opuestos para reflejar el enfrentamiento de la pareja. El rosa en el vestuario de Tori lo vinclula al amor hacia su hijo.

La coloración grisácea ilustra la transformación completa de Brandon. Una vez que el niño rechaza a sus padres, el azul del vestuario, que hasta ahora había compartido con su familia y hogar, da paso a un tono más sombrío, transmitiendo la frialdad del personaje ante sus actos criminales.

Iniciada la malévola venganza contra sus familiares, las prendas tornan a un tinte violáceo — resultante de la unión de azul y el rojo — como representación del poder máximo de las fuerzas del mal.

En la escena final, una vez acaba la misión de destruir a su familia, Brandon reaparece con ropa gris, revelando de nuevo el mutismo y la falta de emociones en el chico.

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Una vez que adquiere los poderes, la falta de emociones en Brandon se transmite a través de un color plomizo en su ropa.

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Finalmente, cuando ganan las fuerzas del mal, el color del vestuario del niño se vuelve morado, un tono asociado al poder y la violencia.

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En la escena final, la ausencia de sentir emociones se refleja en el vestuario que torna a gris.

Autumn Steed logra combinar el patrón de color tradicional del cine de terror con pinceladas particulares para manipular los estados de ánimo del personaje principal de Brightburn, convirtiendo a Brandon en un antihéroe siniestro.

 

Texto: Lola Delgado Pozo
Imágenes: IMBb, capturas pantalla


https://retalesdeunidilio.wordpress.com/2019/09/30/brightburn

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La cumbre escarlata

Retales_Cumbre-escarlata-0[Este artículo contiene spoilers]

Hay directores que se caracterizan por tener un estilo cinematográfico singular. En Guillermo del Toro, la creatividad es su gran distintivo: una obra donde la fantasía se fusiona con lo terrenal y el color es parte esencial de la narración.

Todos estos elementos se suceden en La cumbre escarlata (Crimson Peak. 2015), una cinta en la que Del Toro reabre el subgénero del romance gótico.

La joven Edith Cushing (Mia Wasikowska) es seducida por el misterioso Sir Thomas Sharpe (Tom Hiddleston). Tras contraer matrimonio, la pareja se muda a la mansión familiar de los Sharpe, donde la joven se enfrentará a Lady Lucille (Jessica Chastain), hermana de Thomas, y a los oscuros secretos que esconden los muros de la casa.

Construir el vestuario y coser la arquitectura fue la premisa por parte del director para crear La cumbre escarlata. El departamento de vestuario, encargado de recrear los dos mundos en los que se desarrolla la trama, estuvo encabezado por la diseñadora Kate Hawley.

Originalmente, la película se establecía en la realidad, por lo que Hawley investigó el período victoriano, pero a medida que avanzaba la producción, la cinta fue adquiriendo un carácter de fantasía. La diseñadora tomó a ilustradores y pintores simbolistas de la época como fuente de inspiración para idear los trajes de los personajes principales. La escena con la que da comienzo la película es una muestra de ello: una joven con piel pálida y cabello suelto evoca a la obra La dama de honor (The Bridesmaid. 1851), de John Everett Millais.

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La primera imagen de Edith Cushing en la película (dcha) proviene de la pintura “The Bridesmaid” (1851), de John Everett Millais (izda).

“Los fantasmas existen, de eso estoy segura” narra una voz en off femenina mientras en pantalla aparece la joven descrita anteriormente. Sus palabras relatan hechos ocurridos siendo una niña, cuando el espíritu de su madre fallecida se le apareció con una advertencia: “hija mía, cuando llegue el momento, cuidado con la cumbre escarlata”.

El vestuario de las primeras escenas es significativo. Los colores oscuros, como el negro y el gris —representativos de la muerte— nos remiten a un trágico pasado, mientras que elementos como un gran lazo o un camisón de mangas abullonadas, y que se mantendrán en su vida adulta, definen a la protaginista de la historia: Edith Cushing.

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Colores oscuros, símbolos de sombras y muerte, escenifican el tiempo pasado.

Tras las lúgubres secuencias, la historia se sitúa catorce años después en la moderna y fulgurante ciudad de Búfalo (Nueva York). La atmósfera y vestuario en tonos cálidos y tostados manifiestan la riqueza y el progreso de la época.

La aspirante a escritora, Edith Cushing, se dispone a entregar una novela en la que está trabajando. El color ocre de su vestido, integrado con el escenario, simboliza el crecimiento personal de la joven. Con una silueta fiel a las tendencias de la última década del siglo XIX,  el atuendo se compone de una chaqueta corta y una falda ceñida en la cintura, pero acampanada en la parte inferior, proporcionándole libertad de movimiento.

El diseño masculino y funcional del traje presenta a una mujer intentando abrirse camino en una sociedad dominada por hombres. Aunque en la época fueron comunes las mangas gigot, la diseñadora las ensalza en Edith, reforzando la seguridad y firmeza de la joven, además de distinguirla del resto de féminas que aparecen en pantalla.

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El vestuario de la ciudad de Búfalo (Nueva York) respeta la silueta de la época (izquierda, figurin de la época victoriana). El estilo masculino de Edith revela modernidad y progreso.

En el interior de la oficina, Edith conoce a Sir Thomas Sharpe, un aristócrata inglés en busca de financiación para invertir en un extractor de arcilla. El señor Carter Cushing , padre de Edith, rechaza el proyecto.

La diseñadora debía evitar el blanco, el negro y el rojo para los trajes de Búfalo, optando por tonos crema, marrones y naranja oscuro. Así, podemos ver a Edith con una delicada blusa fruncida beige, confeccionada a mano por el departamento de vestuario. Nuevamente, los accesorios están cargados de simbolismo en la protagonista: una corbata negra o un pequeño alfiler con la imagen de una calabera rememoran a su madre fallecida.

Hawley emplea el naranja como sustituto del rojo para representar el peligro: en el personaje de Carter Cushing, el color de su chaleco se emplea como un fatídico presagio.

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El color negro de la corbata (pieza popular de finales de la época victoriana), y el alfiler con forma de calabera, representan a la madre fallecida de Edith.

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Los tonos anaranjados sustituyen al rojo, este último no permitido para los personajes que aparecen en la ciudad de Búfalo.

Edith elude ir a una recepción en la residecia de los McMichael. En su habitación, el fantasma de su madre regresa advirténdole nuevamente sobre la cumbre escarlata. Instantes después, Thomas Sharpe acude a la casa, persuadiendo a la joven para asistir al baile.

A su llegada, la pareja sorprende a todos los asistentes. Edith luce radiante un conjunto totalmente diferente al que había mostrado hasta ahora compuesto por dos piezas: una capa y un escotado vestido de noche. El diseño, de un color crema vibrante, revela la delicadeza de la joven junto a Thomas; una gran cinta negra en la parte trasera preserva la memoria de su madre. La obra The Black Sash (1905), del pintor italiano Giovanni Boldini, pudo haber servido de inspiración a Kate Hawley para crear la elegante pieza.

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“The Black Sash” de Giovanni Boldini (izda.) pudo servir de inspiración para el delicado vestido de baile de Edith (centro y dcha.)

En el salón del baile, Edith conoce a Lucille Sharpe, hermana de Thomas. Su figura destaca entre los demás invitados por el intenso color carmesí de su vestido.

El traje fue incluido a última hora en el rodaje, de manera que el departamento de vestuario, tras dos semanas intensas, tratando de obtener los detalles y el rojo adecuado, obtuvo la elaborada pieza de seda. El diseño, más cercano a la moda de la década de 1870, evoca a obras pictóricas como Mujeres jóvenes mirando los objetos japoneses (Young women looking at Japanese articles. 1869), de James Tissot.

El vestido está cargado de simbolismo: el cierre con cordones de la parte trasera se asemeja a la columna vertebral humana, un detalle que revela el estado real y mísero de la familia Sharpe; por otra parte, la gran cola de sirena de capas plisadas concentrada en sus pies como un charco de sangre o la arcilla roja que emana de las minas de la propiedad de los Sharpe, y los cordones con dardos de metal colgando de sus muñecas, crean un efecto amenazador.

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El vestuario de Lucille Sharpe, evoca a obras como “Young women looking at Japanese articles” de Tissot (izda). Un diseño cargado de simbolismo (dcha.)

Carter Cushing ordena investigar a los hermanos Sharpe, descubriendo su oscuro pasado y exigiéndoles que abandonen la ciudad. Edith comienza un romance con Thomas pero, ajena a lo que ocurre, y tras las amenazas del padre del señor Cushing, el aristócrata inglés se despide de la joven rompiéndole el corazón.

Durante las secuencias transcurridas en el parque, podemos observar la disparidad de las dos mujeres que forman parte de la vida de Thomas Sharpe. Si bien Edith encarna a una bella y frágil mariposa, Lady Lucille es la polilla negra, insecto que prolifera en la mansión de los Sharpe. La diseñadora Kate Hawley, inspirada en célebres obras pictóricas y tradiciones victorianas, incorpora pequeños detalles en el vestuario, capturando la esencia de cada personaje.

En Edith, los colores dorados y la blusa con bordados florales simbolizan la vida y la delicadeza. Una de las piezas más fascinantes de su atuendo, basada en joyas de luto victorianas, es un cinturón trenzado con cabello real; la hebilla, esculpida a escala real y fundida para asemejarse al marfil, representa las manos entrelazadas de la madre fallecida alrededor de la cintura de la joven.

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Boceto (izda.) de Kate Hawley en el que se ilustra el diseño del cinturón de Edith Cushing (dcha.), inspirado en joyería victoriana.

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La obra “Holyday” (izda.), también conocida como “The Picnic”, pintada en 1876 por el francés James Tissot, fue inspiradora para recrear piezas como el sombrero de Edith Cushing.

Como hemos observado hasta el momento, el color juega un papel importante en el diseño de vestuario de La cumbre escarlata. En las secuencias que tienen lugar en el parque, los hermanos Sharpe se compenetran en la tonalidad oscura del atuendo, opuesta a la gama cromática luminosa y vibrante de Edith.

Lucille Sharpe destaca por el color oscuro de su escultural traje, aludiendo a su imagen de polilla y a sus perversos propósitos. En el siglo XIX, época en la que se ambienta la película, el negro estaba reservado para vestir el luto, por lo que presumiblemente, en Lucille, esa tonalidad atiende al duelo de perder a su hermano, ahora enamorado de Edith. Una flor de color rojo, en el lado del corazón, destaca como una mancha de sangre.

El pintor francés, James Tissot — del que hemos hecho referencia a lo largo de este artículo — capturó con gran detalle la moda de la época a través de su obra impresionista. Algunos de sus retratos más recurrentes son damas vestidas enteramente de negro, con cuellos y puños de crepé blancos, y una flor prendida en el pecho. Estas pinturas podían haber ayudado a Kate Hawley a desarrollar el aspecto de Lucille Sharpe en La cumbre escarlata.

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Las obras “Mrs. Newton with a Parasol” (izda.) o “The Hammock” (centro), ambas realizadas en 1879 por Tissot, fuente de inspiración para el personaje de Lucille Sharpe (dcha.)

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Detalles reproducidos por James Jacques Tissot en en retrato “Summer” (izda.) llevados a la gran pantalla por Kate Hawley en “La cumbre escarlata” (dcha.)

Edith debe afrontar dos momentos adversos consecutivos: la partida de Thomas Sharpe hacia Inglaterra y la misteriosa muerte de su padre. En ambas situaciones luce uno de los diseños más románticos del filme, confeccionado con delicados pliegues. El vestido que rememora al que Gustav Klimt pintó en el retrato de Sonja Knips (1898), simboliza la fragilidad de Edith.

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La obra de Gustav Klimt, como el retrato de Sonja Knips (izda.), tomado como referencia para el diseño del vestuario de Edith Cushing (dcha.) en “La cumbre escarlata”.

A raíz de la muerte de su padre, Edith se traslada junto a Thomas a la mansión de Allerdale Hall (Inglaterra), donde les espera Lady Lucille. En la ruinosa edificación, mientras los hermanos Sharpe esperan recibir la herencia del difunto Carter Cushing, una serie de apariciones aterrorizan a Edith. 

A su llegada, el enamoramiento de Edith es realzado con flores adornando la capa de su abrigo. Las violetas son empleadas como símbolo de fertilidad, en contraste con la tierra árida en la que viven los Sharpe. Además del púrpura, la diseñadora incorpora el color azul en el vestuario de la joven— tonalidad propia los Sharpe —creando un vínculo con su nuevo marido.

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La violeta, considerada flor funeraria, honra la memoria de su madre fallecida. Derecha, flores fabricadas por el departamento de vestuario para el personaje de Edith Cushing.

El desolado paisaje de Cumberland (Inglaterra) es opuesto al esplendor de la ciudad de Búfalo del comienzo del filme; el código de colores utilizado de tonos fríos y hojas secas acentúan la estéril y decadente mansión de Allerdale Hall .

El ocaso también se manifiesta en el vestuario de los hermanos Sharpe, quienes visten ropas gastadas y antiguas, compartiendo paleta de color, un vínculo a su misterioso pasado. Una vez más, podemos observar cómo Kate Hawley toma referencias pictóricas en la creación de la imagen de los personajes: El caminante sobre el mar de nubes (1818), del alemán Caspar David Friedrich en Sir Thomas, y Young women with Japanese goods del pintor Tissot en Lady Lucille.

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Inspiración pictórica de la diseñadora para el vestuario de Sir Thomas y Lady Lucille Sharpe: “El caminante sobre el mar de nubes (1818) de Caspar David Friedrich y “Young women with Japanese goods” de Tissot.

La apariencia fría de Lucille en su hogar dista de la poderosa imagen que vimos en Búfalo. La hermana de Thomas vive prisionera en su propia casa, una atadura manifestada en su opresivo y pesado vestido de terciopelo azul que el departamento de vestuario confeccionó en seis semanas; el ajustado corsé acentúa la delgadez de Lucille, revelando la precaria vida de los Sharpe en su mansión.

La árida tierra de Allerdale Hall se representa en Lucille con un adorno en su vestido en forma de enredadera. La guirnalda de vid, compuesta de elementos como follaje, hojas secas y bellotas alargadas, similares a garras, la arraiga a la casa cual cordón umbilical. Un equipo de seis artesanos creó cada pieza a mano con una estimación de seis horas por hoja.

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El adorno del vestido de Lady Lucille, formado por hojas secas de vid y bellotas en forma de garra, fue realizado a mano por el departamento de vestuario de la película.

Tras las terroríficas apariciones, los Sharpe calman los nervios de Edith con tazas de infusión amarga. En una conversación, Thomas revela por qué se conoce a Allerdale Hall como la cumbre escarlata: la arcilla de color rojo se filtra hacia la superficie y tiñe la nieve en invierno. Entonces, la joven recuerda la advertencia de su madre siendo niña.

A medida que Edith habita en la casa, y su enamoramiento se acrecenta, sus trajes se transforman: la gama de color del personaje se torna verde, una tonalidad surgida de la fusión del amarillo (color inherente en Edith) y el azul (propio de los Sharpe); las mangas se vuelven más voluminosas; los patrones de flores se modifican, haciendo referencia a las hojas secas que caen del techo de la mansión de Allerdale Hall.

Durante las escenas en las que Edith transita por las estancias peligrosas de la casa, los tonos dorados que lucía en Búfalo cambian a un vibrante amarillo. Kate Hawley explicaba la elección de este llamativo color con el símil de un canario en una mina de carbón, una tonalidad que logra acrecentar la vulnerabilidad de la joven. El diseño del traje alberga además un recordatorio hacia la madre fallecida a través de un gran lazo de negro en la parte trasera.

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El vestuario de Edith se va transformando en diseño y color a medida que vive en la mansión de los Sharpe.

Edith, cada vez más débil, acompaña a su marido a la ciudad para recoger unas piezas de maquinaria. La pareja se hospeda en una habitación de la oficina de correos, donde pasan una noche apasionada.

En esta ocasión, podemos observar el lenguaje textil apoyando lo ocurrido: Edith viste el mismo abrigo que llevó en su llegada a la mansión de los Sharpe, pero con algunas variaciones: sin adornos florales, aludiendo a su pérdida de virginidad, y con un gran lazo de color azul-verdoso como vínculo hacia su marido.

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El abrigo “desflorado” de Edith alude a la pérdida de la inocencia de la joven. El cambio de color en el personaje la vincula a la familia Sharpe.

Otra pieza interesante en el vestuario de la protagonista, y favorita de Kate Hawley,  es el camisón de color blanco que luce en algunas secuencias, con el que se advierte cómo la joven va adquiriendo las cualidades góticas de la casa y su imagen de mariposa se va transformando en una crisálida, perdiendo los tonos vibrantes del comienzo.

El diseño de seda, realizado utilizando técnicas antiguas de plisado, realza los movimientos de Edith por los pasillos oscuros. El camisón del que se hicieron varias piezas encierra un lenguaje en sus mangas abulllonadas, que varían de tamaño para mostrar la fragilidad (cuando disminuyen) o fortaleza (mayor volumen) de la joven.

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La fragilidad de Edith se acrecenta con el camisón romántico, realizado a mano por el departamento de vestuario.

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El tejido liviano del camisón ayuda a que Edith fluya y revolotee, con voluminosas mangas a modo de alas, cual frágil mariposa.

Edith descubre unas grabaciones que revelan la trama de los hermanos Sharpe: envenenar a mujeres adineradas, con las que Thomas contraía matrimonio, con el fin de heredar la fortuna y financiar así sus proyectos para la mina. Además, la joven es testigo de la relación incestuosa que mantienen los hermanos.

Finalmente, Thomas ayuda a escapar a Edith; pero Lucille, celosa y enfurecida, asesina a su hermano. Tras una lucha en la nieve, la joven  termina con la vida de Lucille. Los fantasmas de los hermanos Sharpe son ahora quienes residen en la casa de Allerdale Hall.

En las últimas escenas, lo destacable es, sin duda, la estética de Lady Lucille: si, hasta ahora, la habíamos visto con trajes encorsetados que parecían simular una segunda piel y el pelo recogido, en el momento que Edith la descubre junto a Thomas, luce un camisón fluido y escotado de color blanco y el cabello suelto. Con esta transformación, Kate Hawley enfatiza el lado salvaje y sensual del personaje, una imagen que evoca a las obras Emiliana Concha de Ossas de Giovanni Boldini o Fazio’s Mistress de Dante Gabriel Rossetti.

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“Fazio’s Mistress” de Dante Gabriel Rossetti (izda.) como fuente de inspiración para Lady Lucille Sharpe en las escenas finales (centro y dcha.).

En La cumbre escarlata, apreciamos cómo se aúnan la visión imaginativa del director Guillermo del Toro y las creaciones de la diseñadora Kate Hawley, dando lugar a personajes con una identidad definida a través de un vestuario cargado de colorido y simbolismo.

Texto: Lola Delgado Pozo
Fotos: capturas pantalla de la película, pinterest
Bocetos: FIDM museum blog
Obras pictóricas: gustav-klimt.com, jamestissot.org, rossettiarchive.org, millais.org


https://retalesdeunidilio.wordpress.com/2018/12/03/la-cumbre-escarlata

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