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Diseño de vestuario en películas de animacion

El viento se levanta

Retales-Elvientoselevanta-cartelCuando inicié el blog, tuve claro que sería un lugar donde  tendrían cabida todos los géneros cinematográficos. Detrás de cada película hay un laborioso y extraordinario trabajo por parte del equipo de vestuario, se trate de un filme de época, terror, contemporáneo o de dibujos animados.

Los estudios de animación han proliferado en los últimos años, dando un impulso al género y creando verdaderas joyas. Además del cine occidental, el anime, de origen japonés, ha ido ganando notoriedad gracias a productoras como Studio Ghibli, considerada una de las mejores del mundo.

Como ya conté en la entrada del blog sobre Frozen, en una película animada también es relevante el vestuario para dar credibilidad a la historia que se narra y son los artistas del departamento de arte los encargados de determinar el estilo, color y detalles de los personajes y su indumentaria.

Escrita y dirigida por Hayao Miyazaki, El viento se levanta (2013) es una película de animación, basada en una novela de Tatsuo Hori, que narra la historia de Jiro Horikoshi, un niño que sueña con pilotar un avión que vuele como el viento. Ante la imposibilidad de cumplir su deseo, debido a la miopía que padece, Jiro decide dedicarse a construir aviones. Tras finalizar sus estudios universitarios de ingeniería, es contratado por una empresa japonesa para ocuparse del diseño del avión de combate perfecto. Al amor por los aviones hay que sumar el que el joven siente hacia Naoko, que terminará convirtiéndose en su esposa.

El viento se levanta comienza en el año 1918 con un sueño del joven Jiro. El personaje está basado en el famoso ingeniero japonés Jiro Horikoshi, diseñador de Zero, el avión de combate más potente de la armada japonesa en la Segunda Guerra Mundial. En las primeras secuencias, Jiro aparece ataviado con un kimono corto y un pantalón holgado de color azul petróleo, un atuendo oriental que contrasta con la gorra de plato, gafas de aviador y zapatos occidentales. Al despertar, se observa que el joven luce un pijama en el que la chaqueta del kimono tiene un estampado diferente, una forma de distinguir el sueño de la vigilia.

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Primer plano de Jiro, personaje de “El viento se levanta”, inspirado en Jiro Hirikoshi, ingeniero japonés, célebre por sus diseños de aeronaves en la Segunda Guerra Mundial.

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En la imagen, Jiro con el tradicional pantalón japonés masculino llamado “hakama”. Se distinguen los zapatos y calcetines de estilo occidental.

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Detalle del estampado geométrico del pijama del protagonista de “El viento se levanta”.

Ambientada en el Japón de los años 20 y 30, Hayao Miyazaki nos muestra cómo eran los ropajes orientales en un período de crecimiento y optimismo en el país asiático. En El viento se levanta se diferencia al género masculino y femenino por los colores empleados: tonos rosados para las féminas y azulones o grises para los varones.

El período que comprende la película de Miyazaki es conocido como Taishō, una etapa en la que el kimono tradicional aún prevalecía a la influencia de la vestimenta occidental; los estampados tradicionales de grullas o flores se combinaron con otros de patrones abstractos o Art Nouveau en colores intensos. Muchos de los diseños elegidos en El viento se levanta aluden al aire, como el estampado de la chaqueta de Jiro que evoca la sombra de un avión o las aspas de una hélice, y las figuras de abanicos en uno de los kimonos que luce la madre del pequeño.

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La vestimenta diaria de Jiro coincide con la de sus sueños. En la imagen, el joven dirigiéndose al colegio, calzando un par de geta, sandalias de madera tradicionales en Japón.

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Los colores rosas y rojizos predominan en la vestimenta de las mujeres, mientras que los azules grisáceos lo hacen en la de los hombres. A la izquierda, escena de Jiro en el colegio. A la derecha, imagen de Kayo Horikoshi, hermana de Jiro, luciendo un kimono rosa frambuesa, color usual en la etapa Taishō.

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“El viento se levanta” comienza en el período Taishō, en el que la variedad de patrones en los kimonos se incrementó. En la imagen, escena donde la ropa tiene figuras de abanicos que evocan al aire, reflejando las emociones del protagonista.

Durante el segundo sueño de Jiro aparece la figura de Gianni Caproni, famoso ingeniero aeronáutico italiano, creador de bombarderos en la Primera Guerra Mundial, personaje que comparte la misma ilusión del muchacho. Caproni, que obstentó el título de Conde de Taliedo, es presentado en la película como un aristócrata, con un atuendo formal compuesto de un traje de chaqueta oscuro y un bombín, sombrero popular a principios del siglo XX y en la década de 1920.

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Caproni aparece en la imaginación de Jiro. En el atuendo formal del ingeniero italiano destaca el bombín, denominado Bombetta en Italia. A lo largo de la película se puede observar cómo las pequeñas piezas identifican los períodos en los que se desarrolla “El viento se levanta”.

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A la izquierda, fotografía de “Gianni” Caproni en 1918. A la derecha, personaje de “El viento se levanta” con traje, corbata azul y pañuelo rosa a juego con la cinta del bombín.

El vestuario ayuda a identificar los cambios de época a lo largo de El viento se levanta. En el momento en que Jiro emprende su viaje a la universidad, en el año 1923, comprobamos que se ha convertido en un joven adulto, variando su estilo con ropa de influencia occidental y manteniendo los colores azules del inicio. Su atuendo, compuesto por chaqueta de botonadura frontal y cuello mao, pantalón blanco y sombrero canotier, ayuda a identificar el período en el que se desarrolla esta parte de la película.

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Escena donde aparece Jiro con una vestimenta más occidental. El canotier que cubre su cabeza fue un accesorio habitual en la moda occidental masculina de la década de 1920.

El elemento del viento está presente incluso en situaciones significativas de la vida de Jiro. En el vagón del tren, con rumbo hacia la capital, Tokio, la brisa es la responsable del encuentro entre el joven y la niña Naoko. Al igual que Jiro, la chica viste ropa occidental y, nuevamente, los accesorios en el vestuario son clave para distinguir el período en el que se desarrolla la trama: sombrero cloché y zapatos con trabilla. Los colores claros en el vestuario de Naoko simbolizan la pureza e inocencia de la niña. Pero, a su vez, el color blanco en Japón representa a la muerte, resultando un presagio de lo que sucederá.

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A diferencia de Jiro, Naoko viste con colores claros, representando la inocencia e ingenuidad del personaje. El modelo Cloché de sombrero que luce  fue creado por la diseñadora parisina Caroline Reboux en la década de 1920.

En ese instante, se produce el gran terremoto de Kanto (1923). Jiro ayuda a Naoko y a su nodriza a salir del convoy con el fin de localizar a su familia. Tras el encuentro de la niña con sus familiares, Jiro parte hacia la universidad sin poder despedirse de Naoko.

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En la primera imagen, fotografía del terremoto de Kanto, ocurrido en septiembre de 1923. En segundo lugar, secuencia de “El viento se levanta” emulando este suceso. En ambas se aprecia la mezcolanza de prendas orientales y europeas.

En la universidad de Tokio, Jiro y sus compañeros visten un uniforme de estilo militar de color gris oscuro de dos piezas denominado gakuran; la chaqueta con cuello alto mao y botonadura delantera, pantalones largos y gorra.

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Jiro y sus compañeros de facultad con uniformes denominados “gakuran”, que preservan el estilo tradicional japonés.

En 1927, tras terminar sus estudios, Jiro y su compañero Honjo se incorporan al proyecto Halcón del fabricante de aviones Mitsubishi. Es la época de la Gran Depresión y los protagonistas han cambiado su estilo, fiel a los últimos años de la década de 1920 y comienzos de los años 30. Aparecen ataviados con trajes y sombrero; estos últimos, por su similitud, podrían ser modelos Homburg o Fedora. El vestuario de Jiro se torna a un color púrpura claro o lavanda -un tono entre el azul y violeta-, asociado a la ambición y la decadencia, lo que confiere un matiz romántico al personaje.

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En su primer empleo los jóvenes lucen atuendo completamente occidental, formado por traje, chaleco, camisa, corbata y sombrero. Los colores diferencian a los personajes.

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En la animación también suceden escenas singulares o de acción. En la imagen, secuencia con lluvia en la que la ropa se muestra mojada; el detalle del nudo suelto de la corbata expresa el desaliento del momento tras una prueba fallida del proyecto “Halcón”.

Tras la cancelación del proyecto Halcón, en 1929 se desplazan a Alemania para una investigación técnica en la empresa aeronáutica Junkers. El cambio de ambientación se muestra con un vestuario de abrigo; los personajes lucen overcoats, bufandas y guantes. Miyazaki y su equipo dotan a los personajes de un aspecto más informal en las escenas que tienen lugar fuera de la oficina, con prendas de punto muy populares en los años 30.

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Jiro y Honjo, a su llegada a la empresa alemana. Por su forma y extensión, es probable que el abrigo que lucen sea un modelo “Chesterfield” con una fila de botones cubierta, o un “Load” tirolés, de lana gruesa resistente.

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Los dos amigos adoptan un vestuario más “sport” fuera de la oficina, con prendas de punto. Cada personaje mantiene la tonalidad asignada por el equipo de Miyazaki: azul para Jiro y rojizos para Honjo. A la izquierda, Jiro con jersey de de pico y a la derecha, Honjo con suéter de pico sin mangas.

La estancia en el país germano es corta y regresan a Japón por mandato de la empresa. En el viaje de trayecto, Jiro de nuevo comparte sueño con Caproni. El ingeniero italiano continúa vestido con traje, modificando el color del chaleco, el pañuelo y la corbata. No aparecer con el mismo atuendo dota de mayor realismo a la escena soñada.

Tras cinco años en la empresa, Jiro es nombrado jefe de diseño del avión de combate Mitsubishi 1MF10. Después de una primera prueba fallida, la aeronave consigue volar. Para reflejar el cambio de etapa, el joven ha cambiado de vestimenta, empleando un traje de color más claro, sin chaleco y un gorro estilo pescador llamado bucket hat o sombrero de cubo.

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Jiro con un traje de color más nítido pero siempre con tonos saturados. El “look” se completa con un gorro de tipo pescador llamado “bucket hat”, originario de Irlanda.

Durante unas vacaciones en Karuizawa, de nuevo cuando el viento se levanta, se produce un encuentro con Naoko, que se ha convertido en toda una mujer. Para su estancia vacacional Jiro luce un atuendo más cómodo y deportivo, en color beige y blanco. A finales de los años 20 y principios de los 30, la ropa deportiva se empleaba, además de en las actividades al aire libre, para el ocio y los viajes, reservando el traje blanco para hacer turismo.

Naoko mantiene los colores claros de su infancia, pero en un tono más amarillento, reflejando el estado de felicidad de la joven. Un sombrero de paja con adorno de flor, popular en la década de 1930, delimitan el período en el que acontece la acción. El plano contrapicado donde aparece Naoko dibujando, mientras la suave brisa mueve su falda, trae a la memoria el cuadro Mujer con sombrilla del francés Monet.

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A la izquierda, pintura “Mujer con sombrilla” de Claude Monet (1886). A la derecha, secuencia de “El viento se levanta”, con Naoko pintando un lienzo con una sombrilla, evocando al cuadro del pintor francés.

Naoko cae enferma y Jiro fabrica un avión de papel para que llegue a la habitación de la chica. Ella luce un kimono con un estampado en forma de pájaros o gaviotas, un modo de unión entre ambos personajes, y una chaqueta llamada Haori de color rosa sobre la túnica. En el momento en que se encuentra más recuperada sus vestidos cambian a un color más fuerte, rosado oscuro, reflejando el carácter animado y divertido del personaje, sin olvidar la connotación amorosa que posee el tono rojizo.

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A la izquierda, fotografía del ingeniero Jiro Horikoshi, en el que se inspira el protagonista de “El viento se levanta”. A la derecha, Jiro fabricando un avión de papel.

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Los motivos de la naturaleza eran populares en las prendas femeninas de Japón. En la imagen, detalle del estampado con figuras de aves en el kimono de Naoko. El color de su ropa se torna más llamativa en el momento en que se recupera y comienza a enamorarse de Jiro.

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A la izquierda, fotografía de Yano Ayako, novia de Tatsuo Hori, escritor de la novela “El viento se levanta”, fallecida de tuberculosis. En ella se inspira el personaje de Naoko. Podemos ver la semejanza en el vestuario.

La pareja se compromete y Naoko le confiesa que tiene tuberculosis. La joven decide que se casarán cuando ella se recupere en un sanatorio. Jiro, por su parte sigue trabajando en el prototipo del avión Mitsubishi A5M y se esconde de la policía secreta en casa de su jefe. De nuevo, Miyazaki y su equipo vinculan los acontecimientos de la película con la ropa de los personajes. En este caso, el estampado de la bata de Jiro se asemeja al prototipo de brida que recibe el joven para su proyecto.

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A la izquierda, prototipo de brida del proyecto de Jiro. A la derecha, estampado del kimono que evoca a los extremos de este elemento.

Tras recibir una llamada sobre el empeoramiento del estao de salud de su novia, Jiro viaja para verla. La joven opta por dejar el sanatorio alpino donde reside y ambos deciden irse a vivir juntos y contraer matrimonio. El vestuario de Naoko combina los tonos azules y rosados oscuros, asemejándose al estilo de la década de 1940.

El día del enlace, Naoko porta un kimono blanco con motivos circulares rosas, creando una sensación de movimiento, un obi rosa oscuro y un haori del mismo color con estampado floral. El regreso a los colores vivos revelan el momento de felicidad de la joven.

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En las bodas tradicionales japonesas la mujer luce un kimono de color blanco. En la imagen, Jiro y Naoko el día de su enlace.

La joven, sintiendo que su enfermedad es incurable, regresa al sanatorio mientras su marido realiza la prueba del avión prototipo. Una ráfaga de viento le revela que Naoko ha muerto.

Las escenas finales transcurren diez años después, en 1945, durante la Segunda Guerra Mundial, y Jiro se encuentra de nuevo con Caproni. El joven se muestra apesadumbrado y afligido, lo que se refleja en la ropa arrugada y de un color más apagado que al inicio. Naoko se le aparece en el sueño y le anima a seguir viviendo; Caproni comenta que “es hermosa como el viento”.

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Durante la Segunda Guerra Mundial, Jiro se encuentra triste por los ataques aéreos que ha sufrido Japón en la contienda. Su ropa aparece arrugada y suelta, reflejando la desgana del personaje.

En El viento se levanta, Hayao Miyazaki demuestra cómo el trazo del lápiz tradicional no está reñido con el esplendor y el atractivo en una película de animación, y cómo los pequeños detalles marcan la diferencia, aportando la relevancia necesaria para la narración de la historia.

Texto:Lola Delgado Pozo
Imágenes: fotogramas de El viento se levanta.
Fotografías: ghibli.jpn.org, generacionghibli.blogspot.com.es, cpacscience.wikispaces.com


https://retalesdeunidilio.wordpress.com/2015/06/18/el-viento-se-levanta/

El texto de este artículo se encuentra sometido a una licencia Creative Commons del tipo CC-BY-NC-ND (reconocimiento, no comercial, sin obra derivada, 3.0 unported)

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Frozen, el reino del hielo

portadaDecía Joaquín Sabina en una de sus canciones que las niñas ya no quieren ser princesas. Con el paso de los años, el sueño de ser princesas en un mundo de hadas y encontrar a un príncipe azul ha cambiado. Ahora las princesas de los cuentos son heroínas independientes que rechazan a príncipes para forjar un camino propio en sus vidas.

Disney es una de las compañías de animación que más cuentos clásicos ha adaptado y sus princesas han evolucionado y se han ido modernizando. El vestuario también ha variado de forma importante: el color verde o azul ha desbancado al clásico rosa y los vestidos pomposos han dado paso a una indumentaria con más movimiento y menos adorno.

Frozen: el reino del hielo (2013) es una película de animación por ordenador dirigida por Chris Buck y Jennifer Lee. Ambientada en el reino ficticio de Arendelle, narra la historia de las hermanas Anna y Elsa, princesas muy unidas desde la infancia. Elsa nació con el poder de crear hielo y nieve, algo que mantiene en secreto porque su magia estuvo a punto de matar a su hermana pequeña y desde entonces vive recluida en el castillo. Cuando Elsa va a ser coronada reina, se descubre su secreto y desata un invierno eterno en el reino de Arendelle. Es entonces cuando se recluye en un palacio creado con su magia, lejos de todo el mundo. Anna, decidida a salvar su reino y su familia, se embarca en una aventura para encontrar a su hermana, reina de las nieves, cueste lo que cueste.

Jean Gillmore, encargado del diseño de vestuario animado, el director de arte Mike Giaimo y la ilustradora Brittney Lee, junto a más de 600 artistas y técnicos han logrado “probablemente la película de animación con el vestuario más elaborado de todos los tiempos” según describió Giaimo.

Para poder recrear y dar credibilidad a la escenografía y al vestuario hubo un proceso previo de investigación en el que parte del equipo de Frozen viajó a Noruega con el fin de captar la cultura y la arquitectura del país, ya que la historia se desarrolla en este país escandinavo.

En Frozen, al igual que en cualquier película no animada, el vestuario apoya la narración de la historia y las emociones de los personajes: el corte, el color, cada detalle está utilizado con sumo cuidado. Se emplearon técnicas de creación digital de patrones y se incluyeron las características de las telas auténticas para que en la pantalla el vestuario se comportara como si fuera una producción real. Los protagonistas de Frozen sufrieron varios cambios físicos y de vestuario desde el inicio del proyecto de la película hasta su terminación, que revelan la complejidad que hay detrás de lo que nos parece sencillo visto desde la butaca del cine.

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Los animadores de Frozen viajaron a Noruega para estudiar el ambiente del país. De este modo se gestó el vestuario de los personajes, como el traje de Kristof, inspirado en la vestimenta tradicional del pueblo sami o el bunad de Anna.

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Todo fue cuidado al detalle; se crearon texturas para que la nieve que estuviera en contacto con la ropa fuera lo más real posible.

Anna y Elsa muestran sus diferentes personalidades a través de los cambios de vestuario que sufren a lo largo de la película con un punto en común: el colorido de ambas, que contrasta con el paisaje blanco escandinavo del reino de Arandelle. Se hizo necesario que los personajes portaran varias capas de ropa para que no parecieran figuras de plástico en la pantalla. Así, en sus movimientos cuando caminan por la nieve se puede observar las prendas que llevan debajo como enaguas o medias, entre otros.

Anna es la hermana menor, de carácter alegre y aventurero. De niña aparece con tonalidades amarillas brillantes que van pasando a la gama fría del verde a medida que va creciendo, exceptuando las escenas del funeral de sus padres donde se muestra con tejidos negros y bordados en verde.
La ropa de Anna es de estilo noruego. Se tuvo en cuenta el entorno y el clima escandinavo para sus prendas, con tejidos pesados a los que se añadieron detalles para captar el movimiento de su vestuario, acorde con el carácter juguetón e inquieto de la princesa, como por ejemplo, los pompones de su capa, los pliegues en su falda o las cintas que lleva en el pelo el día de la coronación.

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Anna comienza con una gama de color amarillo, regresando a ese color de adulta. Elementos como las botas de invierno o el adorno en su falda los mantiene de mayor.

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Mientras Anna crece, su vestuario se mantiene en el verde cálido.

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A la izquierda, ilustración del vestuario de Anna; a la derecha, escenas donde se observa la evolución de la gama de color de los vestidos de la princesa.

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Anna sólo se muestra de un color más oscuro el día del funeral de sus padres, con un atuendo en color negro.

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Detalle del bordado en color verde de la capa de Anna.

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Anna luce un gorro a juego con la capa.

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Ilustración de rosemaling, arte popular noruego

El rosemaling, arte decorativo noruego, está presente en la escenografía y en el diseño de vestuario de todos los personajes y, en el caso de Anna, con elementos florales en colores saturados e intensos que refuerzan los rasgos de su personalidad.
El vestido de Anna del día de la coronación está formado por un corpiño de satén en color negro con mangas de color verde oliva y falda de un verde más claro con motivos de rosemaling florales. Los zapatos negros son planos. En algunas escenas se aprecian prendas interiorres como enaguas, calcetines, algo poco habitual en películas de animación, pero que los diseñadores de Frozen tuvieron muy en cuenta. Los tejidos y el número de piezas de cada personaje fueron estudiados de forma minuciosa.

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Detalle de rosemaling con formas florales del corpiño y la falda de Anna.

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El vestuario de Frozen fue complicado de diseñar por el gran número de piezas como enaguas o medias que llevan los personajes.

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2.17

En la falda de Anna se refleja la peculiaridad de movimiento que se quiso mostrar en todo momento.

El atuendo que lleva para su aventura por la nieve mezcla elementos del bunad, traje popular noruego, en tejidos como lana o terciopelo para dar mayor credibilidad. El conjunto se compone de capa con capucha en color magenta, color asociado a la entrega y a la ayuda que alude al impulso que siente Anna de apoyar a Elsa, falda azul marino con corpiño negro, blusa de color azul claro, guantes y botas de tacón negro. Como mencioné anteriormente, hay varios elementos en su atuendo que le dan movilidad para acentuar su personalidad, como las borlas que cuelgan de su capa.

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A la izquierda, ilustraciones de arte conceptual de la capa de Anna. A la derecha, escenas del manto verde que lleva encima del vestido de la coronación, cuando comienza su aventura para encontrar a su hermana Elsa.

3.7

El diseño del vestido de nieve que Anna compra en el puesto comercial de Oaken está inspirado en el bunad noruego, con muchos detalles y colorido.

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El traje de invierno de Anna es muy similar al bunad tradicional de Noruega, al igual que las prendas utilizadas por la princesa en la nieve, comunes de la zona escandinava.

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Primeros diseños de las botas que Anna luce en la nieve.

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Escena donde se aprecian las botas que Anna lleva en la nieve

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En la primera ilustración, concepto de movimiento de Anna. La imagen central muestra el desglose digital de la capa. La tercera corresponde al diseño del gorro y peinado de Anna.

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Detalle de las borlas, broche y bordado de la capa rosa fucsia

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Al finalizar la película, Anna regresa al color verde de su infancia con un vestido similar al utilizado en su viaje por la nieve. El rosemaling sigue presente en los bordados de la falda.

4.4

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Detalle de las botas en color beige que utiliza Anna en su último cambio de vestuario, muy similares a las de color negro del conjunto de nieve.

Elsa tiene un carácter muy diferente al de Anna: serena y reservada, vive con miedo desde pequeña cuando casi acaba con la vida de su hermana. Al inicio, el equipo de animación diseñó a Elsa con con la piel azul y el pelo negro alborotado, recordando a los villanos típicos de Disney, hasta que, en el viaje que hicieron a Noruega, vieron que las mujeres lucían trenzas, optando entonces por un estilo similar pero dotándole un estilo más romántico a la princesa de Arandelle.
Ella comienza con un vestuario infantil en azul pálido que se va oscureciendo a medida que crece, al igual que su hermetismo.

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Ilustraciones que muestran el arte conceptual inical del traje de hielo de Elsa, el traje del día de la coronación y el peinado de la princesa

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El vestuario de Elsa comienza siendo color celeste. En la segunda imagen, aparece su pequeño zapato plano, decorado como su vestido

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A la izquierda ilustraciones de los diferentes trajes que Elsa luce en Frozen. A la derecha, escenas donde aparecen los diseños y se aprecia el cambio de tonos fríos más oscuros como el azul o al color púrpura, este último asociado a la protección

Durante la coronación, Elsa viste de forma oprimida. Incluso sus manos las cubre con guantes para ocultar su poder. El vestido de color verde azulado refleja el momento de destierro que ha sufrido. Abotonado hasta el cuello, se completa con un corpiño con ribete color bronce, mangas negras y capa magenta. Los zapatos son de color marrón oscuro con contornos dorados y medias azul verdoso. El bajo de la falda y el escote, de forma corazón, están bordados con motivos rosemaling de formas geométricas.

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Elsa el día de su coronación como reina de Arandelle. El color verde coincide en sus vestidos, una forma de representar la unión de las dos hermanas. Los guantes son un complemento indispensable en Elsa, una forma de ocultar su poder

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Brittney Lee diseñó y trabajó durante todo un mes para conseguir el rosemaling en todo el reino de Arandelle: decorados, tapices y ropa. En la imagen el escogido para la elegante Elsa: diseños largos y más refinados, con un toque de geometría semejante al cristal

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Captura

Según el director artístico, Mike Giaimo ,”La estrella de la coronación fue una capa de 3,6 metros”. El aspecto de Elsa fue todo un reto para el equipo de Frozen

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Parte trasera de la capa de Elsa, y detalle de su peinado cuidado y recogido

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Los zapatos elegidos para este vestido son planos, en color negro y con ribete dorado, las medias a juego con el vestido en color verde azulado

El punto de inflexión y transformación de Elsa tiene lugar en el momento en el que canta “Let it go”, donde pierde el miedo y recupera su libertad. Atrás deja los años de control y retención de emociones. El vestuario es más abierto y elegante, semejante a los trajes de cuentos de hadas. La seguridad se muestra regresando al tono celeste del inicio, con un vestido de corpiño cristalizado, mangas azules y blancas transparentes y falda con una hendidura en la rodilla derecha, es la primera vez que se despoja de los guantes, otra forma de libertad para Elsa. Una capa larga con motivos geométricos similar al cristal y al copo de nieve y zapatos de tacón alto hechos totalmente de hielo completan el diseño.

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A la izquierda, ilustraciones iniciales del vestido de hielo de Elsa. A la derecha, diseño final

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Detalle del cuerpo y mangas del vestido de reina de las nieves. En esta metamorfosis se desprende de sus guantes. El cambio de Elsa también se refleja en su pelo: ahora más suelto, con una trenza en el lado izquierdo adornada con incustraciones de copos de nieve

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La capa de Elsa está hecha de cristales de hielo, según Jean Gillmore, “en la parte posterior se reproduce el copo de nieve que es el símbolo de Elsa, junto con otros más pequeños”, esta capa fluye del mismo vestido

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Ilustraciones del diseño de los zapatos de hielo de Elsa

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Escena donde se aprecia el diseño inspirado en el copo de nieve, símbolo de Elsa, reina de Arandelle y reina de las nieves

Si os gustó la película y su vestuario, habrá que esperar a la segunda parte que Disney estrenará en forma de corto para el año 2015 y que se titulará Frozen Fever.

Texto: Lola Delgado Pozo
Fotos e ilustraciones: Walt Disney Animation Studios y Disney Publishing, the art of Brittney Lee, jeangillmore.com


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